Trabajo y danza: Sobre el movimiento, el trabajo y el ocio.

Se abordarán algunos capítulos de su libro Artist at Work, Proximity of Art and Capitalism y se ahondará en diferentes performances para explorar la noción de “trabajo” desde diversas perspectivas.

*Eugenia Cadús es profesora de la UBA y becaria Posdoctoral del CONICET. Desarrolla su trabajo en el Instituto de Historia del Arte Argentino y Latinoamericano (FFyL-UBA), en el que dirige el Grupo de Estudios de Danza Argentina y Latinoamericana.

13 al 17 de mayo
17 a 22 hs.
18 de mayo
9 a 14 hs.
Bojana Kunst estará a cargo del seminario el 16 y 17 de mayo de 17 a 20 hs. y el 18 de mayo de 9 a 12. Eugenia Cadús estará a cargo del seminario del 13 al 15 de mayo de 17 a 22 hs., el 16 y 17 de mayo de 20 a 22 hs. y el 18 de mayo de 12 a 14 hs.

El Cultural San Martín
Sarmiento 1551 – CABA 

La actividad es gratuita, salvo para aquellos que solicitan acreditación universitaria dado que califica como seminario de posgrado.
Los interesados que lo soliciten deberán inscribirse o dirigir sus consultas a movimiento.investigacion@una.edu.ar
o movimiento.investigacion@gmail.com

Entrada gratuita.
*solo la actividad del 16 al 19 de mayo, de 18 a 22 hs. será con inscripción previa a través del correo bpcba19@gmail.com

BP.19 se extiende en esta edición hasta la ciudad de Córdoba.  El Gran Vidrio será sede de la artista suiza Marie-Caroline Hominal, bajo la curación de la Bienal de Performance, y de una variada programación curada, coordinada y producida por Catalina Urtubey.

10 de mayo

15 hs. Video Performance
Dolores Cáceres (ARG)

16 hs. Performance
Sofia Torres Kosiba (ARG)

17 hs. Performance
Alberto Antonio Romero (ARG)

18 hs. Performance
Verónica Meloni (ARG)

19 hs. Performance
Marie-Caroline Hominal (SUIZA)
Coproducción: BP.19, El Gran Vidrio, Embajada de Suiza en Argentina, Pro Helvetia y Agencia Córdoba Cultura – Gobierno de la Provincia de Córdoba.

11 de mayo

17 hs. Performance
Talma Salem (BRA)

17 a 20.30 hs. Performance
Marie-Caroline Hominal (SUIZA)
Coproducción: BP.19, El Gran Vidrio, Embajada de Suiza en Argentina, Pro Helvetia y Agencia Córdoba Cultura – Gobierno de la Provincia de Córdoba.

17.45 hs. Performance
Constanza Pellici (ARG)

18.45 hs. Performance
Mariela Scafati (ARG)

19.45 hs. Performance
El Pelele (ARG)

12 de mayo

20.30 hs. Performance
Irreal Academia  – Toborochi
Espacio Ramona
Coproducción: Irreal Academia, Quinto Deva y El Gran Vidrio.

Del 16 al 19 de mayo

18 a 22 hs. Taller: Aprender un Cuerpo
Silvio Lang (ARG)
Actividad gratuita con inscripción previa.

19 de mayo

20 a 22 hs. Cierre Taller “Aprender un Cuerpo” + Fiesta
Silvio Lang / Colectivo Queen Cobra (ARG)

27 de mayo

18.30 hs. Conversatorio: Victoria Fortuna (ESP), Colectivo Queen Cobra (ARG)
Moderador: Gustavo Blázquez (ARG)
Coproducción: El Gran Vidrio, BP.19, UNA (Departamento de Artes del Movimiento), Northwestern University, Agencia Córdoba Cultura – Gobierno de la Provincia de Córdoba y Ministerio de Educación, Cultura, Ciencia y Tecnología – Presidencia de la Nación.

Trabajo y danza: Sobre el movimiento, el trabajo y el ocio.

Se abordarán algunos capítulos de su libro Artist at Work, Proximity of Art and Capitalism y se ahondará en diferentes performances para explorar la noción de “trabajo” desde diversas perspectivas.

*Eugenia Cadús es profesora de la UBA y becaria Posdoctoral del CONICET. Desarrolla su trabajo en el Instituto de Historia del Arte Argentino y Latinoamericano (FFyL-UBA), en el que dirige el Grupo de Estudios de Danza Argentina y Latinoamericana.

13 al 17 de mayo
17 a 22 hs.
18 de mayo
9 a 14 hs.
Bojana Kunst estará a cargo del seminario el 16 y 17 de mayo de 17 a 20 hs. y el 18 de mayo de 9 a 12. Eugenia Cadús estará a cargo del seminario del 13 al 15 de mayo de 17 a 22 hs., el 16 y 17 de mayo de 20 a 22 hs. y el 18 de mayo de 12 a 14 hs.

El Cultural San Martín
Sarmiento 1551 – CABA 

La actividad es gratuita, salvo para aquellos que solicitan acreditación universitaria dado que califica como seminario de posgrado.
Los interesados que lo soliciten deberán inscribirse o dirigir sus consultas a movimiento.investigacion@una.edu.ar
o movimiento.investigacion@gmail.com

Cuerpo y dimensión política

3 al 7 de junio
17 a 22 hs.
8 de junio
9 a 14 hs.

El Cultural San Martín
Sarmiento 1551 – CABA

La actividad es gratuita, salvo para aquellos que solicitan acreditación universitaria dado que califica como seminario de posgrado.
Los interesados que lo soliciten deberán inscribirse o dirigir sus consultas a movimiento.investigacion@una.edu.ar o movimiento.investigacion@gmail.com.

El seminario propone dos ejes de análisis: 1) establecer la distinción entre “la danza política” y “las políticas de la danza”, 2) examinar cómo los cuerpos continuamente viajan fuera de sí para probar ser otros, encarnar otras experiencias, huir de sí mismos o ampliar su potencia.

*Victoria Fortuna  hizo su doctorado en Estudios de Performance en la Northwestern University. Se especializó en danza teatral latinoamericana, danza como forma de movilización social y política, prácticas del archivo e historias culturales de la danza en perspectiva transnacional.

Victoria Pérez Royo estará a cargo del seminario del 3 al 5 de junio de 17 a 20 hs. Victoria Fortuna estará a cargo del seminario del 3 al 5 de junio de 20 a 22 hs., el 6 y 7 de junio de 17 a 22 hs. y el 8 de junio de 9 a 14 hs.

Del 10 de mayo al 31 de julio
Martes a viernes, de 11 a 20 hs. Sábados y domingos, de 10 a 20 hs.
Entrada gratuita sin inscripción previa.

Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA)
Av. del Libertador 1473 – CABA

Entrada gratuita.

LAST SPRING: A Prequel

LAST SPRING: A Prequel pone en escena a un adolescente, personificado por un muñeco robótico, que interpreta un diálogo esquizofrénico con una marioneta de guante. Juntos evocan un espacio de realidades inciertas para el espectador. El adolescente ha intentado dibujar obsesivamente los planos de este otro espacio cuya arquitectura recuerda un juego. Así va develando, también, la arquitectura del espacio a través de la estructura misma del texto que interpreta… y se revela atrapado en su propio diálogo. Este falso charlatán permite descubrir oscuramente los ejes principales que rigen el juego y muestra la psicosis de la que no puede escapar.

Idea y dirección: Gisèle Vienne
Texto y dramaturgia: Dennis Cooper
Traducción al español: Rafael Spregelburd
Voz: Jonathan Capdevielle
Música: Peter Rehberg y Stephen O’Malley
Iluminación: Patrick Riou
Dirección de luces: Arnaud Lavisse
Dirección de marionetas y animación: Raphaël Rubbens, Dorothéa Vienne-Pollak, Nicolas Herlin (CLSFX) y Gisèle Vienne
Murales: Stephen O’Malley
Instalación sonora y programación: Gérard d’Elia y Adrien Michel
Dirección electrónica y programación de muñecos robotizados: Nicolas Darrot
Producción ejecutiva: DACM

LAST SPRING: A Prequel es una coproducción de Le Quartz, Scène Nationale de Brest, Le Parvis, Scène Nationale de Tarbes – Pyrénées y Centre Pompidou de París. Cuenta con el apoyo del Centre d’Art Passerelle – Brest, del Espace HARD HAT – Ginebra y del Conseil Général de l’Isère.

La Compagnie DACM trabaja en convenio con el Ministère de la Culture et de la Communication – DRAC Grand Est, la Région Grand Est y la Ville de Strasbourg.

Gisèle Vienne recibe regularmente ayuda del Institut Français – Ministère des Affaires Étrangères para giras en el exterior y es una artista asociada del Théâtre Nanterre-Amandiers, Centre Dramatique National y del Théâtre National de Bretagne.

40 portraits 2003-2008

Fotografías de Gisèle Vienne
Gisèle Vienne realiza composiciones fotográficas en las que los títeres de sus espectáculos se transforman en modelos que posan. Abordando las ambigüedades y dificultades del mundo de la adolescencia y cuestionando la mirada con la que, como adultos, contemplamos este período, la artista hace evolucionar sus personajes de Lolitas tristes, a veces extremadamente maquilladas, hacia seres andróginos.

Del 10 de mayo al 31 de julio
Martes a viernes, de 11 a 20 hs. Sábados y domingos, de 10 a 20 hs.
Entrada gratuita sin inscripción previa.

Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA)
Av. del Libertador 1473 – CABA

Entrada gratuita.

LAST SPRING: A Prequel

LAST SPRING: A Prequel pone en escena a un adolescente, personificado por un muñeco robótico, que interpreta un diálogo esquizofrénico con una marioneta de guante. Juntos evocan un espacio de realidades inciertas para el espectador. El adolescente ha intentado dibujar obsesivamente los planos de este otro espacio cuya arquitectura recuerda un juego. Así va develando, también, la arquitectura del espacio a través de la estructura misma del texto que interpreta… y se revela atrapado en su propio diálogo. Este falso charlatán permite descubrir oscuramente los ejes principales que rigen el juego y muestra la psicosis de la que no puede escapar.

Idea y dirección: Gisèle Vienne
Texto y dramaturgia: Dennis Cooper
Traducción al español: Rafael Spregelburd
Voz: Jonathan Capdevielle
Música: Peter Rehberg y Stephen O’Malley
Iluminación: Patrick Riou
Dirección de luces: Arnaud Lavisse
Dirección de marionetas y animación: Raphaël Rubbens, Dorothéa Vienne-Pollak, Nicolas Herlin (CLSFX) y Gisèle Vienne
Murales: Stephen O’Malley
Instalación sonora y programación: Gérard d’Elia y Adrien Michel
Dirección electrónica y programación de muñecos robotizados: Nicolas Darrot
Producción ejecutiva: DACM

LAST SPRING: A Prequel es una coproducción de Le Quartz, Scène Nationale de Brest, Le Parvis, Scène Nationale de Tarbes – Pyrénées y Centre Pompidou de París. Cuenta con el apoyo del Centre d’Art Passerelle – Brest, del Espace HARD HAT – Ginebra y del Conseil Général de l’Isère.

La Compagnie DACM trabaja en convenio con el Ministère de la Culture et de la Communication – DRAC Grand Est, la Région Grand Est y la Ville de Strasbourg.

Gisèle Vienne recibe regularmente ayuda del Institut Français – Ministère des Affaires Étrangères para giras en el exterior y es una artista asociada del Théâtre Nanterre-Amandiers, Centre Dramatique National y del Théâtre National de Bretagne.

40 portraits 2003-2008

Teatro Coliseo
Marcelo T. de Alvear 1125 – CABA

ENTRADAS

Este proyecto está inspirado en los cinco libros de la Ethica del filósofo neerlandés Baruch Spinoza (1632-1677). Para cada uno de ellos, Romeo Castellucci propone una acción teatral. ETHICA. Natura e origine della mente toma su nombre de De la naturaleza y origen del alma, el segundo de esos libros, que explora la naturaleza del pensamiento superior y el poder de la mente como núcleo o “locus” donde se constituye la realidad misma.

Una joven cuelga de un cable a varios metros del suelo, sujetándose únicamente con el dedo índice de la mano izquierda. Lejos de estar desesperada, parece tener pleno control de la situación… Quizás no sea la primera parte de una caída sino una levitación, un impulso hacia adelante, una fuerza. Ocupando la parte superior, el cuerpo suspendido pone de relieve el espacio racional de la arquitectura. Debajo deambula un perro entre los espectadores. Camina al azar, vagando libre. De pronto, maúlla. Se inicia un diálogo entre el perro/gato y la joven sobre el descubrimiento de ambos de ser frutos de la visión interior del espectador. El perro/gato ha decidido ser y darle voz a una videocámara. La joven, a la luz. La multitud, tercer personaje, reacciona a las palabras dichas: es la Mente, protagonista que da su nombre a esta acción. Contra este telón de fondo, la performance se abre para descender hacia el delta, donde las aguas llegan a su fin: un auditorio. La imagen creada en la mente del artista llega, por fin, a la del espectador que, al recibirla, le asigna una forma. El objetivo es congelar el pensamiento en el acto de recibir la imagen para sellar la fusión entre la recepción del espectador y la creación de la imagen original.

Concepción y dirección: Romeo Castellucci
Texto: Claudia Castellucci
Sonido: Scott Gibbons
Performer: Silvia Costa
Y con la participación de: Ayelén Clavin, Carolina Faux, Carla de Grazia, Margarita Molfino Florencia Montaldo, Amalia Tercelán
Voz en off masculina: Bernardo Bruno
Esculturas: Istvan Zimmermann y Giovanna Amoroso
Dirección técnica: Filippo Mancini
Ingeniería de sonido: Michele Braga
Supervisión de producción: Benedetta Briglia
Organización y promoción: Gilda Biasini y Giulia Colla
Administración: Michela Medri, Elisa Bruno, Simona Barducci y Massimiliano Coli
Producción: Societas
Coproducción: T2G- Théâtre de Gennevilliers, Centre Dramatique National de création contemporaine
Producción gira: Aldo Grompone

Esta obra fue creada en Venecia para la Biennale College-Teatro en agosto de 2013, Coproducida con el Théâtre de la Ville y el Festival d’Automne de París, en colaboración con la Biennale de Venecia.

Duración: 45 minutos

Teatro Coliseo
Marcelo T. de Alvear 1125 – CABA

ENTRADAS

Este proyecto está inspirado en los cinco libros de la Ethica del filósofo neerlandés Baruch Spinoza (1632-1677). Para cada uno de ellos, Romeo Castellucci propone una acción teatral. ETHICA. Natura e origine della mente toma su nombre de De la naturaleza y origen del alma, el segundo de esos libros, que explora la naturaleza del pensamiento superior y el poder de la mente como núcleo o “locus” donde se constituye la realidad misma.

Una joven cuelga de un cable a varios metros del suelo, sujetándose únicamente con el dedo índice de la mano izquierda. Lejos de estar desesperada, parece tener pleno control de la situación… Quizás no sea la primera parte de una caída sino una levitación, un impulso hacia adelante, una fuerza. Ocupando la parte superior, el cuerpo suspendido pone de relieve el espacio racional de la arquitectura. Debajo deambula un perro entre los espectadores. Camina al azar, vagando libre. De pronto, maúlla. Se inicia un diálogo entre el perro/gato y la joven sobre el descubrimiento de ambos de ser frutos de la visión interior del espectador. El perro/gato ha decidido ser y darle voz a una videocámara. La joven, a la luz. La multitud, tercer personaje, reacciona a las palabras dichas: es la Mente, protagonista que da su nombre a esta acción. Contra este telón de fondo, la performance se abre para descender hacia el delta, donde las aguas llegan a su fin: un auditorio. La imagen creada en la mente del artista llega, por fin, a la del espectador que, al recibirla, le asigna una forma. El objetivo es congelar el pensamiento en el acto de recibir la imagen para sellar la fusión entre la recepción del espectador y la creación de la imagen original.

Concepción y dirección: Romeo Castellucci
Texto: Claudia Castellucci
Sonido: Scott Gibbons
Performer: Silvia Costa
Y con la participación de: Ayelén Clavin, Carolina Faux, Carla de Grazia, Margarita Molfino Florencia Montaldo, Amalia Tercelán
Voz en off masculina: Bernardo Bruno
Esculturas: Istvan Zimmermann y Giovanna Amoroso
Dirección técnica: Filippo Mancini
Ingeniería de sonido: Michele Braga
Supervisión de producción: Benedetta Briglia
Organización y promoción: Gilda Biasini y Giulia Colla
Administración: Michela Medri, Elisa Bruno, Simona Barducci y Massimiliano Coli
Producción: Societas
Coproducción: T2G- Théâtre de Gennevilliers, Centre Dramatique National de création contemporaine
Producción gira: Aldo Grompone

Esta obra fue creada en Venecia para la Biennale College-Teatro en agosto de 2013, Coproducida con el Théâtre de la Ville y el Festival d’Automne de París, en colaboración con la Biennale de Venecia.

Duración: 45 minutos

Del 10 de mayo al 31 de julio
Martes a viernes, de 11 a 20 hs. Sábados y domingos, de 10 a 20 hs.
Entrada gratuita sin inscripción previa.

Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA)
Av. del Libertador 1473 – CABA

Entrada gratuita.

LAST SPRING: A Prequel

LAST SPRING: A Prequel pone en escena a un adolescente, personificado por un muñeco robótico, que interpreta un diálogo esquizofrénico con una marioneta de guante. Juntos evocan un espacio de realidades inciertas para el espectador. El adolescente ha intentado dibujar obsesivamente los planos de este otro espacio cuya arquitectura recuerda un juego. Así va develando, también, la arquitectura del espacio a través de la estructura misma del texto que interpreta… y se revela atrapado en su propio diálogo. Este falso charlatán permite descubrir oscuramente los ejes principales que rigen el juego y muestra la psicosis de la que no puede escapar.

Idea y dirección: Gisèle Vienne
Texto y dramaturgia: Dennis Cooper
Traducción al español: Rafael Spregelburd
Voz: Jonathan Capdevielle
Música: Peter Rehberg y Stephen O’Malley
Iluminación: Patrick Riou
Dirección de luces: Arnaud Lavisse
Dirección de marionetas y animación: Raphaël Rubbens, Dorothéa Vienne-Pollak, Nicolas Herlin (CLSFX) y Gisèle Vienne
Murales: Stephen O’Malley
Instalación sonora y programación: Gérard d’Elia y Adrien Michel
Dirección electrónica y programación de muñecos robotizados: Nicolas Darrot
Producción ejecutiva: DACM

LAST SPRING: A Prequel es una coproducción de Le Quartz, Scène Nationale de Brest, Le Parvis, Scène Nationale de Tarbes – Pyrénées y Centre Pompidou de París. Cuenta con el apoyo del Centre d’Art Passerelle – Brest, del Espace HARD HAT – Ginebra y del Conseil Général de l’Isère.

La Compagnie DACM trabaja en convenio con el Ministère de la Culture et de la Communication – DRAC Grand Est, la Région Grand Est y la Ville de Strasbourg.

Gisèle Vienne recibe regularmente ayuda del Institut Français – Ministère des Affaires Étrangères para giras en el exterior y es una artista asociada del Théâtre Nanterre-Amandiers, Centre Dramatique National y del Théâtre National de Bretagne.

40 portraits 2003-2008

Fotografías de Gisèle Vienne

Paseo Costero Vicente Lopez
Gral. J.J. Urquiza y el río – Vicente Lopez

INSCRIPCIÓN
Entradas gratuitas con inscripción previa disponibles a partir del 4 de mayo.

Se reprograma en caso de lluvia.

Del latín, “prospectus”: panorama, la vista a lo lejos, punto de vista, perspectiva; participio del verbo “prospicere” que significa mirar a lo lejos, compuesto por el prefijo “per-” (a través de) y “specere” (mirar, observar). Ver a través de… ¿Pero a través de qué? ¿De la televisión, de un diario, de una red social, de una platea? ¿Cuál es la lente? ¿Quién construye ese espacio simbólico desde el que miramos y que va articulando las miradas contemporáneas sobre el mundo? ¿Qué intereses hay detrás?

El mundo no existe. Existe un teatro, una escena construida por la mirada. La mirada proyecta una imagen sobre la cosa que le impide ser vista. Aquello que nos rodea es marañoso y complejo pero pretendemos que sea pasible de respuestas fáciles, de eslogans, aunque esta pretensión no es más que pura “apofenia”: capacidad de ver figuras reconocibles, nombrables, en manchas, nubes, vetas de la madera, etc.

Crear el “punto de vista” es un acto ideológico, estratégico y de sutil violencia.

Intérpretes: Ale Canosa Baigorria, Manuel Camilo García Burattini, Felipe Villanueva, Daniel Niborski, Norberto Novellis, Marcela Conte, Aldana Nasello, Nicolás Gerardi, Tamara Belenky, Agostina Maldino, Juan Jimenez, Martín Bertani, Juan Marcelo Buono, Silvia Bassi, Alicia Labraga, Constanza Feldman, Natali Lipski, Daniela Sofía Tallarico.
Vestuario: Lucila Rojo
Asistencia de dirección: Hernán Lewkowicz
Dramaturgia y dirección: Matías Feldman

Paseo Costero Vicente Lopez
Gral. J.J. Urquiza y el río – Vicente Lopez 

INSCRIPCIÓN
Entradas gratuitas con inscripción previa disponibles a partir del 4 de mayo.

Se reprograma en caso de lluvia.

Del latín, “prospectus”: panorama, la vista a lo lejos, punto de vista, perspectiva; participio del verbo “prospicere” que significa mirar a lo lejos, compuesto por el prefijo “per-” (a través de) y “specere” (mirar, observar). Ver a través de… ¿Pero a través de qué? ¿De la televisión, de un diario, de una red social, de una platea? ¿Cuál es la lente? ¿Quién construye ese espacio simbólico desde el que miramos y que va articulando las miradas contemporáneas sobre el mundo? ¿Qué intereses hay detrás?

El mundo no existe. Existe un teatro, una escena construida por la mirada. La mirada proyecta una imagen sobre la cosa que le impide ser vista. Aquello que nos rodea es marañoso y complejo pero pretendemos que sea pasible de respuestas fáciles, de eslogans, aunque esta pretensión no es más que pura “apofenia”: capacidad de ver figuras reconocibles, nombrables, en manchas, nubes, vetas de la madera, etc.

Crear el “punto de vista” es un acto ideológico, estratégico y de sutil violencia.

Intérpretes: Ale Canosa Baigorria, Manuel Camilo García Burattini, Felipe Villanueva, Daniel Niborski, Norberto Novellis, Marcela Conte, Aldana Nasello, Nicolás Gerardi, Tamara Belenky, Agostina Maldino, Juan Jimenez, Martín Bertani, Juan Marcelo Buono, Silvia Bassi, Alicia Labraga, Constanza Feldman, Natali Lipski, Daniela Sofía Tallarico.
Vestuario: Lucila Rojo
Asistencia de dirección: Hernán Lewkowicz
Dramaturgia y dirección: Matías Feldman

Paseo Costero Vicente Lopez
Gral. J.J. Urquiza y el río – Vicente Lopez 

Entradas agotadas.

Se reprograma en caso de lluvia.

Del latín, “prospectus”: panorama, la vista a lo lejos, punto de vista, perspectiva; participio del verbo “prospicere” que significa mirar a lo lejos, compuesto por el prefijo “per-” (a través de) y “specere” (mirar, observar). Ver a través de… ¿Pero a través de qué? ¿De la televisión, de un diario, de una red social, de una platea? ¿Cuál es la lente? ¿Quién construye ese espacio simbólico desde el que miramos y que va articulando las miradas contemporáneas sobre el mundo? ¿Qué intereses hay detrás?

El mundo no existe. Existe un teatro, una escena construida por la mirada. La mirada proyecta una imagen sobre la cosa que le impide ser vista. Aquello que nos rodea es marañoso y complejo pero pretendemos que sea pasible de respuestas fáciles, de eslogans, aunque esta pretensión no es más que pura “apofenia”: capacidad de ver figuras reconocibles, nombrables, en manchas, nubes, vetas de la madera, etc.

Crear el “punto de vista” es un acto ideológico, estratégico y de sutil violencia.

Intérpretes: Ale Canosa Baigorria, Manuel Camilo García Burattini, Felipe Villanueva, Daniel Niborski, Norberto Novellis, Marcela Conte, Aldana Nasello, Nicolás Gerardi, Tamara Belenky, Agostina Maldino, Juan Jimenez, Martín Bertani, Juan Marcelo Buono, Silvia Bassi, Alicia Labraga, Constanza Feldman, Natali Lipski, Daniela Sofía Tallarico.
Vestuario: Lucila Rojo
Asistencia de dirección: Hernán Lewkowicz
Dramaturgia y dirección: Matías Feldman

11 de mayo
16 hs.

Instituto Italiano de Cultura
Marcelo T. de Alvear 1119 – CABA

INSCRIPCIÓN
Entradas gratuitas con inscripción previa disponibles a partir del 4 de mayo.

Teatro Coliseo
Marcelo T. de Alvear 1125 – CABA

ENTRADAS

Este proyecto está inspirado en los cinco libros de la Ethica del filósofo neerlandés Baruch Spinoza (1632-1677). Para cada uno de ellos, Romeo Castellucci propone una acción teatral. ETHICA. Natura e origine della mente toma su nombre de De la naturaleza y origen del alma, el segundo de esos libros, que explora la naturaleza del pensamiento superior y el poder de la mente como núcleo o “locus” donde se constituye la realidad misma.

Una joven cuelga de un cable a varios metros del suelo, sujetándose únicamente con el dedo índice de la mano izquierda. Lejos de estar desesperada, parece tener pleno control de la situación… Quizás no sea la primera parte de una caída sino una levitación, un impulso hacia adelante, una fuerza. Ocupando la parte superior, el cuerpo suspendido pone de relieve el espacio racional de la arquitectura. Debajo deambula un perro entre los espectadores. Camina al azar, vagando libre. De pronto, maúlla. Se inicia un diálogo entre el perro/gato y la joven sobre el descubrimiento de ambos de ser frutos de la visión interior del espectador. El perro/gato ha decidido ser y darle voz a una videocámara. La joven, a la luz. La multitud, tercer personaje, reacciona a las palabras dichas: es la Mente, protagonista que da su nombre a esta acción. Contra este telón de fondo, la performance se abre para descender hacia el delta, donde las aguas llegan a su fin: un auditorio. La imagen creada en la mente del artista llega, por fin, a la del espectador que, al recibirla, le asigna una forma. El objetivo es congelar el pensamiento en el acto de recibir la imagen para sellar la fusión entre la recepción del espectador y la creación de la imagen original.

Concepción y dirección: Romeo Castellucci
Texto: Claudia Castellucci
Sonido: Scott Gibbons
Performer: Silvia Costa
Y con la participación de: Ayelén Clavin, Carolina Faux, Carla de Grazia, Margarita Molfino Florencia Montaldo, Amalia Tercelán
Voz en off masculina: Bernardo Bruno
Esculturas: Istvan Zimmermann y Giovanna Amoroso
Dirección técnica: Filippo Mancini
Ingeniería de sonido: Michele Braga
Supervisión de producción: Benedetta Briglia
Organización y promoción: Gilda Biasini y Giulia Colla
Administración: Michela Medri, Elisa Bruno, Simona Barducci y Massimiliano Coli
Producción: Societas
Coproducción: T2G- Théâtre de Gennevilliers, Centre Dramatique National de création contemporaine
Producción gira: Aldo Grompone

Esta obra fue creada en Venecia para la Biennale College-Teatro en agosto de 2013, Coproducida con el Théâtre de la Ville y el Festival d’Automne de París, en colaboración con la Biennale de Venecia.

Duración: 45 minutos

11 de mayo
18.30 hs.

Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes
Av. Figueroa Alcorta 2280 – CABA

INSCRIPCIÓN
Entradas gratuitas con inscripción previa disponibles a partir del 4 de mayo.

Teatro Coliseo
Marcelo T. de Alvear 1125 – CABA

ENTRADAS

Este proyecto está inspirado en los cinco libros de la Ethica del filósofo neerlandés Baruch Spinoza (1632-1677). Para cada uno de ellos, Romeo Castellucci propone una acción teatral. ETHICA. Natura e origine della mente toma su nombre de De la naturaleza y origen del alma, el segundo de esos libros, que explora la naturaleza del pensamiento superior y el poder de la mente como núcleo o “locus” donde se constituye la realidad misma.

Una joven cuelga de un cable a varios metros del suelo, sujetándose únicamente con el dedo índice de la mano izquierda. Lejos de estar desesperada, parece tener pleno control de la situación… Quizás no sea la primera parte de una caída sino una levitación, un impulso hacia adelante, una fuerza. Ocupando la parte superior, el cuerpo suspendido pone de relieve el espacio racional de la arquitectura. Debajo deambula un perro entre los espectadores. Camina al azar, vagando libre. De pronto, maúlla. Se inicia un diálogo entre el perro/gato y la joven sobre el descubrimiento de ambos de ser frutos de la visión interior del espectador. El perro/gato ha decidido ser y darle voz a una videocámara. La joven, a la luz. La multitud, tercer personaje, reacciona a las palabras dichas: es la Mente, protagonista que da su nombre a esta acción. Contra este telón de fondo, la performance se abre para descender hacia el delta, donde las aguas llegan a su fin: un auditorio. La imagen creada en la mente del artista llega, por fin, a la del espectador que, al recibirla, le asigna una forma. El objetivo es congelar el pensamiento en el acto de recibir la imagen para sellar la fusión entre la recepción del espectador y la creación de la imagen original.

Concepción y dirección: Romeo Castellucci
Texto: Claudia Castellucci
Sonido: Scott Gibbons
Performer: Silvia Costa
Y con la participación de: Ayelén Clavin, Carolina Faux, Carla de Grazia, Margarita Molfino Florencia Montaldo, Amalia Tercelán
Voz en off masculina: Bernardo Bruno
Esculturas: Istvan Zimmermann y Giovanna Amoroso
Dirección técnica: Filippo Mancini
Ingeniería de sonido: Michele Braga
Supervisión de producción: Benedetta Briglia
Organización y promoción: Gilda Biasini y Giulia Colla
Administración: Michela Medri, Elisa Bruno, Simona Barducci y Massimiliano Coli
Producción: Societas
Coproducción: T2G- Théâtre de Gennevilliers, Centre Dramatique National de création contemporaine
Producción gira: Aldo Grompone

Esta obra fue creada en Venecia para la Biennale College-Teatro en agosto de 2013, Coproducida con el Théâtre de la Ville y el Festival d’Automne de París, en colaboración con la Biennale de Venecia.

Duración: 45 minutos

Del 10 de mayo al 31 de julio
Martes a viernes, de 11 a 20 hs. Sábados y domingos, de 10 a 20 hs.
Entrada gratuita sin inscripción previa.

Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA)
Av. del Libertador 1473 – CABA

Entrada gratuita.

LAST SPRING: A Prequel

LAST SPRING: A Prequel pone en escena a un adolescente, personificado por un muñeco robótico, que interpreta un diálogo esquizofrénico con una marioneta de guante. Juntos evocan un espacio de realidades inciertas para el espectador. El adolescente ha intentado dibujar obsesivamente los planos de este otro espacio cuya arquitectura recuerda un juego. Así va develando, también, la arquitectura del espacio a través de la estructura misma del texto que interpreta… y se revela atrapado en su propio diálogo. Este falso charlatán permite descubrir oscuramente los ejes principales que rigen el juego y muestra la psicosis de la que no puede escapar.

Idea y dirección: Gisèle Vienne
Texto y dramaturgia: Dennis Cooper
Traducción al español: Rafael Spregelburd
Voz: Jonathan Capdevielle
Música: Peter Rehberg y Stephen O’Malley
Iluminación: Patrick Riou
Dirección de luces: Arnaud Lavisse
Dirección de marionetas y animación: Raphaël Rubbens, Dorothéa Vienne-Pollak, Nicolas Herlin (CLSFX) y Gisèle Vienne
Murales: Stephen O’Malley
Instalación sonora y programación: Gérard d’Elia y Adrien Michel
Dirección electrónica y programación de muñecos robotizados: Nicolas Darrot
Producción ejecutiva: DACM

LAST SPRING: A Prequel es una coproducción de Le Quartz, Scène Nationale de Brest, Le Parvis, Scène Nationale de Tarbes – Pyrénées y Centre Pompidou de París. Cuenta con el apoyo del Centre d’Art Passerelle – Brest, del Espace HARD HAT – Ginebra y del Conseil Général de l’Isère.

La Compagnie DACM trabaja en convenio con el Ministère de la Culture et de la Communication – DRAC Grand Est, la Région Grand Est y la Ville de Strasbourg.

Gisèle Vienne recibe regularmente ayuda del Institut Français – Ministère des Affaires Étrangères para giras en el exterior y es una artista asociada del Théâtre Nanterre-Amandiers, Centre Dramatique National y del Théâtre National de Bretagne.

40 portraits 2003-2008

Fotografías de Gisèle Vienne

Paseo Costero Vicente Lopez
Gral. J.J. Urquiza y el río – Vicente Lopez

INSCRIPCIÓN
Entradas gratuitas con inscripción previa disponibles a partir del 4 de mayo.

Se reprograma en caso de lluvia.

Del latín, “prospectus”: panorama, la vista a lo lejos, punto de vista, perspectiva; participio del verbo “prospicere” que significa mirar a lo lejos, compuesto por el prefijo “per-” (a través de) y “specere” (mirar, observar). Ver a través de… ¿Pero a través de qué? ¿De la televisión, de un diario, de una red social, de una platea? ¿Cuál es la lente? ¿Quién construye ese espacio simbólico desde el que miramos y que va articulando las miradas contemporáneas sobre el mundo? ¿Qué intereses hay detrás?

El mundo no existe. Existe un teatro, una escena construida por la mirada. La mirada proyecta una imagen sobre la cosa que le impide ser vista. Aquello que nos rodea es marañoso y complejo pero pretendemos que sea pasible de respuestas fáciles, de eslogans, aunque esta pretensión no es más que pura “apofenia”: capacidad de ver figuras reconocibles, nombrables, en manchas, nubes, vetas de la madera, etc.

Crear el “punto de vista” es un acto ideológico, estratégico y de sutil violencia.

Intérpretes: Ale Canosa Baigorria, Manuel Camilo García Burattini, Felipe Villanueva, Daniel Niborski, Norberto Novellis, Marcela Conte, Aldana Nasello, Nicolás Gerardi, Tamara Belenky, Agostina Maldino, Juan Jimenez, Martín Bertani, Juan Marcelo Buono, Silvia Bassi, Alicia Labraga, Constanza Feldman, Natali Lipski, Daniela Sofía Tallarico.
Vestuario: Lucila Rojo
Asistencia de dirección: Hernán Lewkowicz
Dramaturgia y dirección: Matías Feldman

Paseo Costero Vicente Lopez
Gral. J.J. Urquiza y el río – Vicente Lopez 

INSCRIPCIÓN
Entradas gratuitas con inscripción previa disponibles a partir del 4 de mayo.

Se reprograma en caso de lluvia.

Del latín, “prospectus”: panorama, la vista a lo lejos, punto de vista, perspectiva; participio del verbo “prospicere” que significa mirar a lo lejos, compuesto por el prefijo “per-” (a través de) y “specere” (mirar, observar). Ver a través de… ¿Pero a través de qué? ¿De la televisión, de un diario, de una red social, de una platea? ¿Cuál es la lente? ¿Quién construye ese espacio simbólico desde el que miramos y que va articulando las miradas contemporáneas sobre el mundo? ¿Qué intereses hay detrás?

El mundo no existe. Existe un teatro, una escena construida por la mirada. La mirada proyecta una imagen sobre la cosa que le impide ser vista. Aquello que nos rodea es marañoso y complejo pero pretendemos que sea pasible de respuestas fáciles, de eslogans, aunque esta pretensión no es más que pura “apofenia”: capacidad de ver figuras reconocibles, nombrables, en manchas, nubes, vetas de la madera, etc.

Crear el “punto de vista” es un acto ideológico, estratégico y de sutil violencia.

Intérpretes: Ale Canosa Baigorria, Manuel Camilo García Burattini, Felipe Villanueva, Daniel Niborski, Norberto Novellis, Marcela Conte, Aldana Nasello, Nicolás Gerardi, Tamara Belenky, Agostina Maldino, Juan Jimenez, Martín Bertani, Juan Marcelo Buono, Silvia Bassi, Alicia Labraga, Constanza Feldman, Natali Lipski, Daniela Sofía Tallarico.
Vestuario: Lucila Rojo
Asistencia de dirección: Hernán Lewkowicz
Dramaturgia y dirección: Matías Feldman

Paseo Costero Vicente Lopez
Gral. J.J. Urquiza y el río – Vicente Lopez 

Entradas agotadas.

Se reprograma en caso de lluvia.

Del latín, “prospectus”: panorama, la vista a lo lejos, punto de vista, perspectiva; participio del verbo “prospicere” que significa mirar a lo lejos, compuesto por el prefijo “per-” (a través de) y “specere” (mirar, observar). Ver a través de… ¿Pero a través de qué? ¿De la televisión, de un diario, de una red social, de una platea? ¿Cuál es la lente? ¿Quién construye ese espacio simbólico desde el que miramos y que va articulando las miradas contemporáneas sobre el mundo? ¿Qué intereses hay detrás?

El mundo no existe. Existe un teatro, una escena construida por la mirada. La mirada proyecta una imagen sobre la cosa que le impide ser vista. Aquello que nos rodea es marañoso y complejo pero pretendemos que sea pasible de respuestas fáciles, de eslogans, aunque esta pretensión no es más que pura “apofenia”: capacidad de ver figuras reconocibles, nombrables, en manchas, nubes, vetas de la madera, etc.

Crear el “punto de vista” es un acto ideológico, estratégico y de sutil violencia.

Intérpretes: Ale Canosa Baigorria, Manuel Camilo García Burattini, Felipe Villanueva, Daniel Niborski, Norberto Novellis, Marcela Conte, Aldana Nasello, Nicolás Gerardi, Tamara Belenky, Agostina Maldino, Juan Jimenez, Martín Bertani, Juan Marcelo Buono, Silvia Bassi, Alicia Labraga, Constanza Feldman, Natali Lipski, Daniela Sofía Tallarico.
Vestuario: Lucila Rojo
Asistencia de dirección: Hernán Lewkowicz
Dramaturgia y dirección: Matías Feldman

C Complejo Art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA

Entrada gratuita.

Esta performance busca llevar al límite la contienda de Elena Dahn contra la pintura, la escultura y su propio cuerpo. A través de la puesta en escena de elementos mínimos, una superficie de látex y cuerdas tensoras sujetadas al cuerpo, la artista se sitúa en el medio de un terreno de conflicto entre concesión y resistencia, plan y accidente para crear una escultura que no existe sino a partir de medios físicos en movimiento.

En este trabajo, la distancia real entre la acción del cuerpo y el material es llevada al extremo para desacelerar el trayecto entre estímulo y respuesta. Las distintas fases del recorrido que hace un impulso nervioso son desplegadas en un gran espacio, haciendo imposible -tanto para el público como para la artista-, abarcar la totalidad de la experiencia mediante un mismo acto de percepción.

INSCRIPCIÓN

Instalación:
12 de mayo
17 a 20 hs.
14 a 18 de mayo
15 a 20 hs.

Entrada gratuita.

C Complejo Art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA

Los artistas pueden ser divididos en dos grandes grupos: aquellos cuya obra dista de su vida real y aquellos cuya existencia se inmiscuye indisolublemente dentro de su producción estética y borra las fronteras entre vida y obra. Nora Lezano pertenece a este segundo grupo. Su obra está profundamente atravesada por sus deseos, su historia, sus miedos, sus dolores, sus fantasías, sus obsesiones. En su producción late algo que siempre parece a punto de explotar. Es como si la artista capturase -quizás por su enorme talento para obturar el disparador en el momento justo- el exacto instante previo a que algo florezca o se desmorone. Inventario es una muestra que funciona como una especie de despedida de un pasado intenso, voraz, fascinante y tormentoso al mismo tiempo, en la que la Nora que fue hasta ayer -y para poder empezar a ser la que es hoy- nos abre su archivo personal compuesto de retazos de evidencias tanto de su vida como de su obra, y que van desde sus mejores fotos profesionales y personales hasta vestigios de su primera infancia, pasando por cartas de novios de adolescencia, sus remeras escritas, dibujos, obras tridimensionales, diarios íntimos, memorabilia, cassettes de audios de contestador telefónico, obras de otros artistas realizadas para ella, hasta llegar al universo del rock y sus listas de temas, autógrafos, credenciales, dibujos y fotos de reconocidos músicos de la escena nacional e internacional. Esta exposición funciona entonces como un doble testimonio de esta artista inclasificable: uno, el de una denodada obsesión por capturar, atesorar cuidadosamente y registrar toda su vida y entorno; y dos, el de una constante búsqueda de eso que la moviliza e inquieta, atrae y repele, desea y desprecia al mismo tiempo: un poco de calma.

Emilio García Wehbi

Muestra

Curaduría: Emilio García Wehbi.

Asistencia técnica y de producción: Amalia Tercelán, Martín Antuña.

Montajista: Fernando Savio

Performance / película

Curaduría: Emilio García Wehbi

Edición fílmica: Martín Antuña, Nora Lezano

Mezcla y mastering de audio: Andrés Mayo, Nicolás Durán Blanco

Agradecimientos: Verónica Odriozola, Ramiro González, Marina Fernández Curutchet, Sofía Abt, Mariano Di Césare, Denise Mayo, Virginia Lioy, Rubén Andón, Violeta Weinschelbaum, Mariano Madueña, Ximena Niederhauser, Mauro López, Lisandro Rodríguez, Soni Rojas, Víctor Moser, Patricio Foglia, Tute, Jorge Araujo, César Silva, Alejandro Pippa, Leticia Starc, Cecilia Estalles, Mono Espacio, Adrián Buono, Maricel Álvarez y a mis padres Nilma Enrico y David Lezano.

C Complejo art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA

Entrada gratuita.

Se recomienda para mayores de 16 años.

Cuatro cuerpos humanos desnudos: cuatro personas durmiendo. Cada uno descansa del mundo que hay afuera, adentro de su sueño. No podremos ver lo que sueñan, pero sí oír y oler algunas pistas. Para lo cual hace falta acercarse a distintos puntos de los durmientes. Ese momento de cuidada aproximación despierta la moralidad inconsciente del tacto, la ética de la proxemia: ¿hasta dónde hacerme presente con mi cuerpo junto a quien está ausente en su soñar? Esa aproximación, con más miramientos que mirada, define al espectador como alguien que “husmea” al otro. Acercarse a quien duerme sin despertarlo, simplemente para contemplarlo en su inocencia perfecta. Bienvenidos al  “hipnódromo” de Cerca: pronto, la ensoñación también envolverá a quien “husmea” y se cree en estado de total lucidez.

Idea y dirección general: Alejandro Ros y Pablo Schanton
Performers: Leandra Levine, Mariana Moreno, Erica D´Alessandro, Mariano Rapetti y Juan Pablo Sierra
Diseño olfativo: International Flavors & Fragrances (IFF Argentina)
Diseño sonoro: Aldo Benítez y Roger Delahaye

Teatro Coliseo
Marcelo T. de Alvear 1125 – CABA

ENTRADAS

Este proyecto está inspirado en los cinco libros de la Ethica del filósofo neerlandés Baruch Spinoza (1632-1677). Para cada uno de ellos, Romeo Castellucci propone una acción teatral. ETHICA. Natura e origine della mente toma su nombre de De la naturaleza y origen del alma, el segundo de esos libros, que explora la naturaleza del pensamiento superior y el poder de la mente como núcleo o “locus” donde se constituye la realidad misma.

Una joven cuelga de un cable a varios metros del suelo, sujetándose únicamente con el dedo índice de la mano izquierda. Lejos de estar desesperada, parece tener pleno control de la situación… Quizás no sea la primera parte de una caída sino una levitación, un impulso hacia adelante, una fuerza. Ocupando la parte superior, el cuerpo suspendido pone de relieve el espacio racional de la arquitectura. Debajo deambula un perro entre los espectadores. Camina al azar, vagando libre. De pronto, maúlla. Se inicia un diálogo entre el perro/gato y la joven sobre el descubrimiento de ambos de ser frutos de la visión interior del espectador. El perro/gato ha decidido ser y darle voz a una videocámara. La joven, a la luz. La multitud, tercer personaje, reacciona a las palabras dichas: es la Mente, protagonista que da su nombre a esta acción. Contra este telón de fondo, la performance se abre para descender hacia el delta, donde las aguas llegan a su fin: un auditorio. La imagen creada en la mente del artista llega, por fin, a la del espectador que, al recibirla, le asigna una forma. El objetivo es congelar el pensamiento en el acto de recibir la imagen para sellar la fusión entre la recepción del espectador y la creación de la imagen original.

Concepción y dirección: Romeo Castellucci
Texto: Claudia Castellucci
Sonido: Scott Gibbons
Performer: Silvia Costa
Y con la participación de: Ayelén Clavin, Carolina Faux, Carla de Grazia, Margarita Molfino Florencia Montaldo, Amalia Tercelán
Voz en off masculina: Bernardo Bruno
Esculturas: Istvan Zimmermann y Giovanna Amoroso
Dirección técnica: Filippo Mancini
Ingeniería de sonido: Michele Braga
Supervisión de producción: Benedetta Briglia
Organización y promoción: Gilda Biasini y Giulia Colla
Administración: Michela Medri, Elisa Bruno, Simona Barducci y Massimiliano Coli
Producción: Societas
Coproducción: T2G- Théâtre de Gennevilliers, Centre Dramatique National de création contemporaine
Producción gira: Aldo Grompone

Esta obra fue creada en Venecia para la Biennale College-Teatro en agosto de 2013, Coproducida con el Théâtre de la Ville y el Festival d’Automne de París, en colaboración con la Biennale de Venecia.

Duración: 45 minutos

Entradas agotadas.

Instalación:
12 de mayo
17 a 20 hs.
14 a 18 de mayo
15 a 20 hs.

Entrada gratuita.

C Complejo Art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA

Los artistas pueden ser divididos en dos grandes grupos: aquellos cuya obra dista de su vida real y aquellos cuya existencia se inmiscuye indisolublemente dentro de su producción estética y borra las fronteras entre vida y obra. Nora Lezano pertenece a este segundo grupo. Su obra está profundamente atravesada por sus deseos, su historia, sus miedos, sus dolores, sus fantasías, sus obsesiones. En su producción late algo que siempre parece a punto de explotar. Es como si la artista capturase -quizás por su enorme talento para obturar el disparador en el momento justo- el exacto instante previo a que algo florezca o se desmorone. Inventario es una muestra que funciona como una especie de despedida de un pasado intenso, voraz, fascinante y tormentoso al mismo tiempo, en la que la Nora que fue hasta ayer -y para poder empezar a ser la que es hoy- nos abre su archivo personal compuesto de retazos de evidencias tanto de su vida como de su obra, y que van desde sus mejores fotos profesionales y personales hasta vestigios de su primera infancia, pasando por cartas de novios de adolescencia, sus remeras escritas, dibujos, obras tridimensionales, diarios íntimos, memorabilia, cassettes de audios de contestador telefónico, obras de otros artistas realizadas para ella, hasta llegar al universo del rock y sus listas de temas, autógrafos, credenciales, dibujos y fotos de reconocidos músicos de la escena nacional e internacional. Esta exposición funciona entonces como un doble testimonio de esta artista inclasificable: uno, el de una denodada obsesión por capturar, atesorar cuidadosamente y registrar toda su vida y entorno; y dos, el de una constante búsqueda de eso que la moviliza e inquieta, atrae y repele, desea y desprecia al mismo tiempo: un poco de calma.

Emilio García Wehbi

Muestra

Curaduría: Emilio García Wehbi.

Asistencia técnica y de producción: Amalia Tercelán, Martín Antuña.

Montajista: Fernando Savio

Performance / película

Curaduría: Emilio García Wehbi

Edición fílmica: Martín Antuña, Nora Lezano

Mezcla y mastering de audio: Andrés Mayo, Nicolás Durán Blanco

Agradecimientos: Verónica Odriozola, Ramiro González, Marina Fernández Curutchet, Sofía Abt, Mariano Di Césare, Denise Mayo, Virginia Lioy, Rubén Andón, Violeta Weinschelbaum, Mariano Madueña, Ximena Niederhauser, Mauro López, Lisandro Rodríguez, Soni Rojas, Víctor Moser, Patricio Foglia, Tute, Jorge Araujo, César Silva, Alejandro Pippa, Leticia Starc, Cecilia Estalles, Mono Espacio, Adrián Buono, Maricel Álvarez y a mis padres Nilma Enrico y David Lezano.

Teatro Coliseo
Marcelo T. de Alvear 1125 – CABA

ENTRADAS

Este proyecto está inspirado en los cinco libros de la Ethica del filósofo neerlandés Baruch Spinoza (1632-1677). Para cada uno de ellos, Romeo Castellucci propone una acción teatral. ETHICA. Natura e origine della mente toma su nombre de De la naturaleza y origen del alma, el segundo de esos libros, que explora la naturaleza del pensamiento superior y el poder de la mente como núcleo o “locus” donde se constituye la realidad misma.

Una joven cuelga de un cable a varios metros del suelo, sujetándose únicamente con el dedo índice de la mano izquierda. Lejos de estar desesperada, parece tener pleno control de la situación… Quizás no sea la primera parte de una caída sino una levitación, un impulso hacia adelante, una fuerza. Ocupando la parte superior, el cuerpo suspendido pone de relieve el espacio racional de la arquitectura. Debajo deambula un perro entre los espectadores. Camina al azar, vagando libre. De pronto, maúlla. Se inicia un diálogo entre el perro/gato y la joven sobre el descubrimiento de ambos de ser frutos de la visión interior del espectador. El perro/gato ha decidido ser y darle voz a una videocámara. La joven, a la luz. La multitud, tercer personaje, reacciona a las palabras dichas: es la Mente, protagonista que da su nombre a esta acción. Contra este telón de fondo, la performance se abre para descender hacia el delta, donde las aguas llegan a su fin: un auditorio. La imagen creada en la mente del artista llega, por fin, a la del espectador que, al recibirla, le asigna una forma. El objetivo es congelar el pensamiento en el acto de recibir la imagen para sellar la fusión entre la recepción del espectador y la creación de la imagen original.

Concepción y dirección: Romeo Castellucci
Texto: Claudia Castellucci
Sonido: Scott Gibbons
Performer: Silvia Costa
Y con la participación de: Ayelén Clavin, Carolina Faux, Carla de Grazia, Margarita Molfino Florencia Montaldo, Amalia Tercelán
Voz en off masculina: Bernardo Bruno
Esculturas: Istvan Zimmermann y Giovanna Amoroso
Dirección técnica: Filippo Mancini
Ingeniería de sonido: Michele Braga
Supervisión de producción: Benedetta Briglia
Organización y promoción: Gilda Biasini y Giulia Colla
Administración: Michela Medri, Elisa Bruno, Simona Barducci y Massimiliano Coli
Producción: Societas
Coproducción: T2G- Théâtre de Gennevilliers, Centre Dramatique National de création contemporaine
Producción gira: Aldo Grompone

Esta obra fue creada en Venecia para la Biennale College-Teatro en agosto de 2013, Coproducida con el Théâtre de la Ville y el Festival d’Automne de París, en colaboración con la Biennale de Venecia.

Duración: 45 minutos

Espacio Público

Se recomienda para mayores de 18 años.

Entradas gratuitas con inscripción previa disponibles del 22 de abril al 3 de mayo. Los participantes serán seleccionados por el artista, quien se comunicará con cada uno de ellos para coordinar los detalles. La inscripción no asegura la participación.

En El cuaderno de Bento John Berger plantea un paralelismo entre el acto de pilotear una moto y el de dibujar. Esta experiencia desarrolla esta unión. La propuesta es simple: el artista (conductor) lleva a un espectador (pasajero) a realizar un recorrido en moto con un fin específico (realizar un trámite pendiente; entregar una carta; visitar a una persona, un lugar o, simplemente, pasear por la ciudad). El cuerpo del performer se ofrece como catalizador de un movimiento eterno de cuerpos. Un pacto de confianza: llevar; acompañar. Una unión momentánea. Estabilidad y movimiento. El peso de dos cuerpos en equilibrio desplazándose por el espacio y, a la vez, el registro plástico de ese movimiento. La posibilidad de decir: “Estuve acá y me moví en esta dirección”. Pensar la trayectoria de la moto como si fuera una línea dibujada en el suelo. Comprender que no sólo se tiene un cuerpo que nos distingue de los otros, sino que somos cuerpo incorporado a una matriz extensa y simbólica: cuerpo que es signo, por excelencia, de movilidad y transformación.

Creación e interpretación: Lisandro Rodríguez
Producción y asistencia artística: Carla Petrillo
Colaboración artística: Martín Seijo y Diego Vainer
Producción ejecutiva: Débora Staiff, Índigo Producciones

Inscripción concluida el 3 de mayo.

C Complejo art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA

Entrada gratuita.

Se recomienda para mayores de 16 años.

Cuatro cuerpos humanos desnudos: cuatro personas durmiendo. Cada uno descansa del mundo que hay afuera, adentro de su sueño. No podremos ver lo que sueñan, pero sí oír y oler algunas pistas. Para lo cual hace falta acercarse a distintos puntos de los durmientes. Ese momento de cuidada aproximación despierta la moralidad inconsciente del tacto, la ética de la proxemia: ¿hasta dónde hacerme presente con mi cuerpo junto a quien está ausente en su soñar? Esa aproximación, con más miramientos que mirada, define al espectador como alguien que “husmea” al otro. Acercarse a quien duerme sin despertarlo, simplemente para contemplarlo en su inocencia perfecta. Bienvenidos al  “hipnódromo” de Cerca: pronto, la ensoñación también envolverá a quien “husmea” y se cree en estado de total lucidez.

Idea y dirección general: Alejandro Ros y Pablo Schanton
Performers: Leandra Levine, Mariana Moreno, Erica D´Alessandro, Mariano Rapetti y Juan Pablo Sierra
Diseño olfativo: International Flavors & Fragrances (IFF Argentina)
Diseño sonoro: Aldo Benítez y Roger Delahaye

Espacio Público

Se recomienda para mayores de 18 años.

Entradas gratuitas con inscripción previa disponibles del 22 de abril al 3 de mayo. Los participantes serán seleccionados por el artista, quien se comunicará con cada uno de ellos para coordinar los detalles. La inscripción no asegura la participación.

En El cuaderno de Bento John Berger plantea un paralelismo entre el acto de pilotear una moto y el de dibujar. Esta experiencia desarrolla esta unión. La propuesta es simple: el artista (conductor) lleva a un espectador (pasajero) a realizar un recorrido en moto con un fin específico (realizar un trámite pendiente; entregar una carta; visitar a una persona, un lugar o, simplemente, pasear por la ciudad). El cuerpo del performer se ofrece como catalizador de un movimiento eterno de cuerpos. Un pacto de confianza: llevar; acompañar. Una unión momentánea. Estabilidad y movimiento. El peso de dos cuerpos en equilibrio desplazándose por el espacio y, a la vez, el registro plástico de ese movimiento. La posibilidad de decir: “Estuve acá y me moví en esta dirección”. Pensar la trayectoria de la moto como si fuera una línea dibujada en el suelo. Comprender que no sólo se tiene un cuerpo que nos distingue de los otros, sino que somos cuerpo incorporado a una matriz extensa y simbólica: cuerpo que es signo, por excelencia, de movilidad y transformación.

Creación e interpretación: Lisandro Rodríguez
Producción y asistencia artística: Carla Petrillo
Colaboración artística: Martín Seijo y Diego Vainer
Producción ejecutiva: Débora Staiff, Índigo Producciones

Inscripción concluida el 3 de mayo.

Del 10 de mayo al 31 de julio
Martes a viernes, de 11 a 20 hs. Sábados y domingos, de 10 a 20 hs.
Entrada gratuita sin inscripción previa.

Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA)
Av. del Libertador 1473 – CABA

Entrada gratuita.

LAST SPRING: A Prequel

LAST SPRING: A Prequel pone en escena a un adolescente, personificado por un muñeco robótico, que interpreta un diálogo esquizofrénico con una marioneta de guante. Juntos evocan un espacio de realidades inciertas para el espectador. El adolescente ha intentado dibujar obsesivamente los planos de este otro espacio cuya arquitectura recuerda un juego. Así va develando, también, la arquitectura del espacio a través de la estructura misma del texto que interpreta… y se revela atrapado en su propio diálogo. Este falso charlatán permite descubrir oscuramente los ejes principales que rigen el juego y muestra la psicosis de la que no puede escapar.

Idea y dirección: Gisèle Vienne
Texto y dramaturgia: Dennis Cooper
Traducción al español: Rafael Spregelburd
Voz: Jonathan Capdevielle
Música: Peter Rehberg y Stephen O’Malley
Iluminación: Patrick Riou
Dirección de luces: Arnaud Lavisse
Dirección de marionetas y animación: Raphaël Rubbens, Dorothéa Vienne-Pollak, Nicolas Herlin (CLSFX) y Gisèle Vienne
Murales: Stephen O’Malley
Instalación sonora y programación: Gérard d’Elia y Adrien Michel
Dirección electrónica y programación de muñecos robotizados: Nicolas Darrot
Producción ejecutiva: DACM

LAST SPRING: A Prequel es una coproducción de Le Quartz, Scène Nationale de Brest, Le Parvis, Scène Nationale de Tarbes – Pyrénées y Centre Pompidou de París. Cuenta con el apoyo del Centre d’Art Passerelle – Brest, del Espace HARD HAT – Ginebra y del Conseil Général de l’Isère.

La Compagnie DACM trabaja en convenio con el Ministère de la Culture et de la Communication – DRAC Grand Est, la Région Grand Est y la Ville de Strasbourg.

Gisèle Vienne recibe regularmente ayuda del Institut Français – Ministère des Affaires Étrangères para giras en el exterior y es una artista asociada del Théâtre Nanterre-Amandiers, Centre Dramatique National y del Théâtre National de Bretagne.

40 portraits 2003-2008

16 de mayo
14.30 a 19 hs.

Centro Cultural Recoleta
Junín 1930 – CABA

INSCRIPCIÓN

Se recomienda para mayores de 18 años.

Le triomphe de la renommée integra una colección de seis poesías de Petrarca (1304-1374) titulada I trionfi. Estos poemas describen las etapas de la vida mediante duelos en los que se enfrentan las virtudes: la Fama le gana a la Muerte, pero es derrotada por el Tiempo y la Eternidad. Entre las bambalinas del teatro, más allá del escenario, Marie-Caroline Hominal recibe a un invitado por vez, derribando los códigos del artificio teatral al apostar al encuentro cara a cara.

Duración: 15 minutos.

Marie-Caroline Hominal cuenta con el apoyo de City of Geneva, Canton of Geneva y Pro Helvetia, Swiss foundation for culture

INSCRIPCIÓN

Instalación:
12 de mayo
17 a 20 hs.
14 a 18 de mayo
15 a 20 hs.

Entrada gratuita.

C Complejo Art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA

Los artistas pueden ser divididos en dos grandes grupos: aquellos cuya obra dista de su vida real y aquellos cuya existencia se inmiscuye indisolublemente dentro de su producción estética y borra las fronteras entre vida y obra. Nora Lezano pertenece a este segundo grupo. Su obra está profundamente atravesada por sus deseos, su historia, sus miedos, sus dolores, sus fantasías, sus obsesiones. En su producción late algo que siempre parece a punto de explotar. Es como si la artista capturase -quizás por su enorme talento para obturar el disparador en el momento justo- el exacto instante previo a que algo florezca o se desmorone. Inventario es una muestra que funciona como una especie de despedida de un pasado intenso, voraz, fascinante y tormentoso al mismo tiempo, en la que la Nora que fue hasta ayer -y para poder empezar a ser la que es hoy- nos abre su archivo personal compuesto de retazos de evidencias tanto de su vida como de su obra, y que van desde sus mejores fotos profesionales y personales hasta vestigios de su primera infancia, pasando por cartas de novios de adolescencia, sus remeras escritas, dibujos, obras tridimensionales, diarios íntimos, memorabilia, cassettes de audios de contestador telefónico, obras de otros artistas realizadas para ella, hasta llegar al universo del rock y sus listas de temas, autógrafos, credenciales, dibujos y fotos de reconocidos músicos de la escena nacional e internacional. Esta exposición funciona entonces como un doble testimonio de esta artista inclasificable: uno, el de una denodada obsesión por capturar, atesorar cuidadosamente y registrar toda su vida y entorno; y dos, el de una constante búsqueda de eso que la moviliza e inquieta, atrae y repele, desea y desprecia al mismo tiempo: un poco de calma.

Emilio García Wehbi

Muestra

Curaduría: Emilio García Wehbi.

Asistencia técnica y de producción: Amalia Tercelán, Martín Antuña.

Montajista: Fernando Savio

Performance / película

Curaduría: Emilio García Wehbi

Edición fílmica: Martín Antuña, Nora Lezano

Mezcla y mastering de audio: Andrés Mayo, Nicolás Durán Blanco

Agradecimientos: Verónica Odriozola, Ramiro González, Marina Fernández Curutchet, Sofía Abt, Mariano Di Césare, Denise Mayo, Virginia Lioy, Rubén Andón, Violeta Weinschelbaum, Mariano Madueña, Ximena Niederhauser, Mauro López, Lisandro Rodríguez, Soni Rojas, Víctor Moser, Patricio Foglia, Tute, Jorge Araujo, César Silva, Alejandro Pippa, Leticia Starc, Cecilia Estalles, Mono Espacio, Adrián Buono, Maricel Álvarez y a mis padres Nilma Enrico y David Lezano.

C Complejo art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA

Entrada gratuita.

Se recomienda para mayores de 16 años.

Cuatro cuerpos humanos desnudos: cuatro personas durmiendo. Cada uno descansa del mundo que hay afuera, adentro de su sueño. No podremos ver lo que sueñan, pero sí oír y oler algunas pistas. Para lo cual hace falta acercarse a distintos puntos de los durmientes. Ese momento de cuidada aproximación despierta la moralidad inconsciente del tacto, la ética de la proxemia: ¿hasta dónde hacerme presente con mi cuerpo junto a quien está ausente en su soñar? Esa aproximación, con más miramientos que mirada, define al espectador como alguien que “husmea” al otro. Acercarse a quien duerme sin despertarlo, simplemente para contemplarlo en su inocencia perfecta. Bienvenidos al  “hipnódromo” de Cerca: pronto, la ensoñación también envolverá a quien “husmea” y se cree en estado de total lucidez.

Idea y dirección general: Alejandro Ros y Pablo Schanton
Performers: Leandra Levine, Mariana Moreno, Erica D´Alessandro, Mariano Rapetti y Juan Pablo Sierra
Diseño olfativo: International Flavors & Fragrances (IFF Argentina)
Diseño sonoro: Aldo Benítez y Roger Delahaye

La práctica desde adentro: algunas reflexiones sobre el cuerpo danzante y el concepto de labor.

En esta conferencia se abordará la potencialidad política del cuerpo danzante especialmente referido a la noción de práctica. Se tomará como referencia el trabajo de algunos coreógrafos jóvenes que desafían los formatos de presentación de la performance y el intercambio.

14 de mayo
18 hs.

C Complejo Art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA 

Entrada gratuita.

Conferencia

Paradoja de la nueva institución: acerca del tiempo y de la imaginación.

En esta conferencia se tomará como eje los modos de producción de la performance y el rol de las instituciones.

Se la explorará particularmente desde la perspectiva del tiempo, señalando el rol fundamental que cumple la imaginación en el modo de producir y compartir la performance.

15 de mayo
18 hs.

C Complejo Art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA 

Entrada gratuita.

C Complejo art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA

Entrada gratuita.

Se recomienda para mayores de 16 años.

Cuatro cuerpos humanos desnudos: cuatro personas durmiendo. Cada uno descansa del mundo que hay afuera, adentro de su sueño. No podremos ver lo que sueñan, pero sí oír y oler algunas pistas. Para lo cual hace falta acercarse a distintos puntos de los durmientes. Ese momento de cuidada aproximación despierta la moralidad inconsciente del tacto, la ética de la proxemia: ¿hasta dónde hacerme presente con mi cuerpo junto a quien está ausente en su soñar? Esa aproximación, con más miramientos que mirada, define al espectador como alguien que “husmea” al otro. Acercarse a quien duerme sin despertarlo, simplemente para contemplarlo en su inocencia perfecta. Bienvenidos al  “hipnódromo” de Cerca: pronto, la ensoñación también envolverá a quien “husmea” y se cree en estado de total lucidez.

Idea y dirección general: Alejandro Ros y Pablo Schanton
Performers: Leandra Levine, Mariana Moreno, Erica D´Alessandro, Mariano Rapetti y Juan Pablo Sierra
Diseño olfativo: International Flavors & Fragrances (IFF Argentina)
Diseño sonoro: Aldo Benítez y Roger Delahaye

Espacio Público

Se recomienda para mayores de 18 años.

Entradas gratuitas con inscripción previa disponibles del 22 de abril al 3 de mayo. Los participantes serán seleccionados por el artista, quien se comunicará con cada uno de ellos para coordinar los detalles. La inscripción no asegura la participación.

En El cuaderno de Bento John Berger plantea un paralelismo entre el acto de pilotear una moto y el de dibujar. Esta experiencia desarrolla esta unión. La propuesta es simple: el artista (conductor) lleva a un espectador (pasajero) a realizar un recorrido en moto con un fin específico (realizar un trámite pendiente; entregar una carta; visitar a una persona, un lugar o, simplemente, pasear por la ciudad). El cuerpo del performer se ofrece como catalizador de un movimiento eterno de cuerpos. Un pacto de confianza: llevar; acompañar. Una unión momentánea. Estabilidad y movimiento. El peso de dos cuerpos en equilibrio desplazándose por el espacio y, a la vez, el registro plástico de ese movimiento. La posibilidad de decir: “Estuve acá y me moví en esta dirección”. Pensar la trayectoria de la moto como si fuera una línea dibujada en el suelo. Comprender que no sólo se tiene un cuerpo que nos distingue de los otros, sino que somos cuerpo incorporado a una matriz extensa y simbólica: cuerpo que es signo, por excelencia, de movilidad y transformación.

Creación e interpretación: Lisandro Rodríguez
Producción y asistencia artística: Carla Petrillo
Colaboración artística: Martín Seijo y Diego Vainer
Producción ejecutiva: Débora Staiff, Índigo Producciones

Inscripción concluida el 3 de mayo.

Del 10 de mayo al 31 de julio
Martes a viernes, de 11 a 20 hs. Sábados y domingos, de 10 a 20 hs.
Entrada gratuita sin inscripción previa.

Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA)
Av. del Libertador 1473 – CABA

Entrada gratuita.

LAST SPRING: A Prequel

LAST SPRING: A Prequel pone en escena a un adolescente, personificado por un muñeco robótico, que interpreta un diálogo esquizofrénico con una marioneta de guante. Juntos evocan un espacio de realidades inciertas para el espectador. El adolescente ha intentado dibujar obsesivamente los planos de este otro espacio cuya arquitectura recuerda un juego. Así va develando, también, la arquitectura del espacio a través de la estructura misma del texto que interpreta… y se revela atrapado en su propio diálogo. Este falso charlatán permite descubrir oscuramente los ejes principales que rigen el juego y muestra la psicosis de la que no puede escapar.

Idea y dirección: Gisèle Vienne
Texto y dramaturgia: Dennis Cooper
Traducción al español: Rafael Spregelburd
Voz: Jonathan Capdevielle
Música: Peter Rehberg y Stephen O’Malley
Iluminación: Patrick Riou
Dirección de luces: Arnaud Lavisse
Dirección de marionetas y animación: Raphaël Rubbens, Dorothéa Vienne-Pollak, Nicolas Herlin (CLSFX) y Gisèle Vienne
Murales: Stephen O’Malley
Instalación sonora y programación: Gérard d’Elia y Adrien Michel
Dirección electrónica y programación de muñecos robotizados: Nicolas Darrot
Producción ejecutiva: DACM

LAST SPRING: A Prequel es una coproducción de Le Quartz, Scène Nationale de Brest, Le Parvis, Scène Nationale de Tarbes – Pyrénées y Centre Pompidou de París. Cuenta con el apoyo del Centre d’Art Passerelle – Brest, del Espace HARD HAT – Ginebra y del Conseil Général de l’Isère.

La Compagnie DACM trabaja en convenio con el Ministère de la Culture et de la Communication – DRAC Grand Est, la Région Grand Est y la Ville de Strasbourg.

Gisèle Vienne recibe regularmente ayuda del Institut Français – Ministère des Affaires Étrangères para giras en el exterior y es una artista asociada del Théâtre Nanterre-Amandiers, Centre Dramatique National y del Théâtre National de Bretagne.

40 portraits 2003-2008

16 de mayo
14.30 a 19 hs.

Centro Cultural Recoleta
Junín 1930 – CABA

INSCRIPCIÓN

Se recomienda para mayores de 18 años.

Le triomphe de la renommée integra una colección de seis poesías de Petrarca (1304-1374) titulada I trionfi. Estos poemas describen las etapas de la vida mediante duelos en los que se enfrentan las virtudes: la Fama le gana a la Muerte, pero es derrotada por el Tiempo y la Eternidad. Entre las bambalinas del teatro, más allá del escenario, Marie-Caroline Hominal recibe a un invitado por vez, derribando los códigos del artificio teatral al apostar al encuentro cara a cara.

Duración: 15 minutos.

Marie-Caroline Hominal cuenta con el apoyo de City of Geneva, Canton of Geneva y Pro Helvetia, Swiss foundation for culture

INSCRIPCIÓN

Instalación:
12 de mayo
17 a 20 hs.
14 a 18 de mayo
15 a 20 hs.

Entrada gratuita.

C Complejo Art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA

Los artistas pueden ser divididos en dos grandes grupos: aquellos cuya obra dista de su vida real y aquellos cuya existencia se inmiscuye indisolublemente dentro de su producción estética y borra las fronteras entre vida y obra. Nora Lezano pertenece a este segundo grupo. Su obra está profundamente atravesada por sus deseos, su historia, sus miedos, sus dolores, sus fantasías, sus obsesiones. En su producción late algo que siempre parece a punto de explotar. Es como si la artista capturase -quizás por su enorme talento para obturar el disparador en el momento justo- el exacto instante previo a que algo florezca o se desmorone. Inventario es una muestra que funciona como una especie de despedida de un pasado intenso, voraz, fascinante y tormentoso al mismo tiempo, en la que la Nora que fue hasta ayer -y para poder empezar a ser la que es hoy- nos abre su archivo personal compuesto de retazos de evidencias tanto de su vida como de su obra, y que van desde sus mejores fotos profesionales y personales hasta vestigios de su primera infancia, pasando por cartas de novios de adolescencia, sus remeras escritas, dibujos, obras tridimensionales, diarios íntimos, memorabilia, cassettes de audios de contestador telefónico, obras de otros artistas realizadas para ella, hasta llegar al universo del rock y sus listas de temas, autógrafos, credenciales, dibujos y fotos de reconocidos músicos de la escena nacional e internacional. Esta exposición funciona entonces como un doble testimonio de esta artista inclasificable: uno, el de una denodada obsesión por capturar, atesorar cuidadosamente y registrar toda su vida y entorno; y dos, el de una constante búsqueda de eso que la moviliza e inquieta, atrae y repele, desea y desprecia al mismo tiempo: un poco de calma.

Emilio García Wehbi

Muestra

Curaduría: Emilio García Wehbi.

Asistencia técnica y de producción: Amalia Tercelán, Martín Antuña.

Montajista: Fernando Savio

Performance / película

Curaduría: Emilio García Wehbi

Edición fílmica: Martín Antuña, Nora Lezano

Mezcla y mastering de audio: Andrés Mayo, Nicolás Durán Blanco

Agradecimientos: Verónica Odriozola, Ramiro González, Marina Fernández Curutchet, Sofía Abt, Mariano Di Césare, Denise Mayo, Virginia Lioy, Rubén Andón, Violeta Weinschelbaum, Mariano Madueña, Ximena Niederhauser, Mauro López, Lisandro Rodríguez, Soni Rojas, Víctor Moser, Patricio Foglia, Tute, Jorge Araujo, César Silva, Alejandro Pippa, Leticia Starc, Cecilia Estalles, Mono Espacio, Adrián Buono, Maricel Álvarez y a mis padres Nilma Enrico y David Lezano.

C Complejo art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA

Entrada gratuita.

Se recomienda para mayores de 16 años.

Cuatro cuerpos humanos desnudos: cuatro personas durmiendo. Cada uno descansa del mundo que hay afuera, adentro de su sueño. No podremos ver lo que sueñan, pero sí oír y oler algunas pistas. Para lo cual hace falta acercarse a distintos puntos de los durmientes. Ese momento de cuidada aproximación despierta la moralidad inconsciente del tacto, la ética de la proxemia: ¿hasta dónde hacerme presente con mi cuerpo junto a quien está ausente en su soñar? Esa aproximación, con más miramientos que mirada, define al espectador como alguien que “husmea” al otro. Acercarse a quien duerme sin despertarlo, simplemente para contemplarlo en su inocencia perfecta. Bienvenidos al  “hipnódromo” de Cerca: pronto, la ensoñación también envolverá a quien “husmea” y se cree en estado de total lucidez.

Idea y dirección general: Alejandro Ros y Pablo Schanton
Performers: Leandra Levine, Mariana Moreno, Erica D´Alessandro, Mariano Rapetti y Juan Pablo Sierra
Diseño olfativo: International Flavors & Fragrances (IFF Argentina)
Diseño sonoro: Aldo Benítez y Roger Delahaye

La práctica desde adentro: algunas reflexiones sobre el cuerpo danzante y el concepto de labor.

En esta conferencia se abordará la potencialidad política del cuerpo danzante especialmente referido a la noción de práctica. Se tomará como referencia el trabajo de algunos coreógrafos jóvenes que desafían los formatos de presentación de la performance y el intercambio.

14 de mayo
18 hs.

C Complejo Art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA 

Entrada gratuita.

Conferencia

Paradoja de la nueva institución: acerca del tiempo y de la imaginación.

En esta conferencia se tomará como eje los modos de producción de la performance y el rol de las instituciones.

Se la explorará particularmente desde la perspectiva del tiempo, señalando el rol fundamental que cumple la imaginación en el modo de producir y compartir la performance.

15 de mayo
18 hs.

C Complejo Art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA 

Entrada gratuita.

C Complejo art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA

Entrada gratuita.

Se recomienda para mayores de 16 años.

Cuatro cuerpos humanos desnudos: cuatro personas durmiendo. Cada uno descansa del mundo que hay afuera, adentro de su sueño. No podremos ver lo que sueñan, pero sí oír y oler algunas pistas. Para lo cual hace falta acercarse a distintos puntos de los durmientes. Ese momento de cuidada aproximación despierta la moralidad inconsciente del tacto, la ética de la proxemia: ¿hasta dónde hacerme presente con mi cuerpo junto a quien está ausente en su soñar? Esa aproximación, con más miramientos que mirada, define al espectador como alguien que “husmea” al otro. Acercarse a quien duerme sin despertarlo, simplemente para contemplarlo en su inocencia perfecta. Bienvenidos al  “hipnódromo” de Cerca: pronto, la ensoñación también envolverá a quien “husmea” y se cree en estado de total lucidez.

Idea y dirección general: Alejandro Ros y Pablo Schanton
Performers: Leandra Levine, Mariana Moreno, Erica D´Alessandro, Mariano Rapetti y Juan Pablo Sierra
Diseño olfativo: International Flavors & Fragrances (IFF Argentina)
Diseño sonoro: Aldo Benítez y Roger Delahaye

Inauguración 15 de mayo
19.30 hs.
16 al 31 de mayo
Martes a sábado de 14 a 20 hs.

Urquiza
Pje. Giuffra 370 – CABA

Entrada gratuita.

Urquiza Librería / Galería se suma a BP.19 con una propuesta doble: la exposición del artista Juan Reos, gentileza de la Galería Atocha, y una variada selección de publicaciones sobre performance.

En Antes. Un mundo sin reliquias (2017) Reos recrea en grabado obras y episodios performáticos icónicos del arte argentino de los años ’60 que nunca fueron documentados y de los que solo hay relatos, ambiguos y cambiantes. Diez estampas en aguafuerte/aguatinta  (incluidas también en un libro del artista) que unió con un relato ficcional registran performances no documentadas, realizadas por los primeros artistas neo-vanguardistas argentinos como la Carta a Romero Brest, Las fuentes rojas, Bonino aclara ciertas dudas, Tumba de Tut Ank Amon, Greco puto, La pelea, Poesía urbana, El piolín. Así propone un juego imaginario con los límites de la representación y de nuestro imaginario histórico.

Por su parte, a lo largo de BP.19 se presenta una mesa especializada en libros y catálogos de performance para todos los que busquen interiorizarse en la disciplina.

Espacio Público

Se recomienda para mayores de 18 años.

Entradas gratuitas con inscripción previa disponibles del 22 de abril al 3 de mayo. Los participantes serán seleccionados por el artista, quien se comunicará con cada uno de ellos para coordinar los detalles. La inscripción no asegura la participación.

En El cuaderno de Bento John Berger plantea un paralelismo entre el acto de pilotear una moto y el de dibujar. Esta experiencia desarrolla esta unión. La propuesta es simple: el artista (conductor) lleva a un espectador (pasajero) a realizar un recorrido en moto con un fin específico (realizar un trámite pendiente; entregar una carta; visitar a una persona, un lugar o, simplemente, pasear por la ciudad). El cuerpo del performer se ofrece como catalizador de un movimiento eterno de cuerpos. Un pacto de confianza: llevar; acompañar. Una unión momentánea. Estabilidad y movimiento. El peso de dos cuerpos en equilibrio desplazándose por el espacio y, a la vez, el registro plástico de ese movimiento. La posibilidad de decir: “Estuve acá y me moví en esta dirección”. Pensar la trayectoria de la moto como si fuera una línea dibujada en el suelo. Comprender que no sólo se tiene un cuerpo que nos distingue de los otros, sino que somos cuerpo incorporado a una matriz extensa y simbólica: cuerpo que es signo, por excelencia, de movilidad y transformación.

Creación e interpretación: Lisandro Rodríguez
Producción y asistencia artística: Carla Petrillo
Colaboración artística: Martín Seijo y Diego Vainer
Producción ejecutiva: Débora Staiff, Índigo Producciones

Inscripción concluida el 3 de mayo.

Del 10 de mayo al 31 de julio
Martes a viernes, de 11 a 20 hs. Sábados y domingos, de 10 a 20 hs.
Entrada gratuita sin inscripción previa.

Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA)
Av. del Libertador 1473 – CABA

Entrada gratuita.

LAST SPRING: A Prequel

LAST SPRING: A Prequel pone en escena a un adolescente, personificado por un muñeco robótico, que interpreta un diálogo esquizofrénico con una marioneta de guante. Juntos evocan un espacio de realidades inciertas para el espectador. El adolescente ha intentado dibujar obsesivamente los planos de este otro espacio cuya arquitectura recuerda un juego. Así va develando, también, la arquitectura del espacio a través de la estructura misma del texto que interpreta… y se revela atrapado en su propio diálogo. Este falso charlatán permite descubrir oscuramente los ejes principales que rigen el juego y muestra la psicosis de la que no puede escapar.

Idea y dirección: Gisèle Vienne
Texto y dramaturgia: Dennis Cooper
Traducción al español: Rafael Spregelburd
Voz: Jonathan Capdevielle
Música: Peter Rehberg y Stephen O’Malley
Iluminación: Patrick Riou
Dirección de luces: Arnaud Lavisse
Dirección de marionetas y animación: Raphaël Rubbens, Dorothéa Vienne-Pollak, Nicolas Herlin (CLSFX) y Gisèle Vienne
Murales: Stephen O’Malley
Instalación sonora y programación: Gérard d’Elia y Adrien Michel
Dirección electrónica y programación de muñecos robotizados: Nicolas Darrot
Producción ejecutiva: DACM

LAST SPRING: A Prequel es una coproducción de Le Quartz, Scène Nationale de Brest, Le Parvis, Scène Nationale de Tarbes – Pyrénées y Centre Pompidou de París. Cuenta con el apoyo del Centre d’Art Passerelle – Brest, del Espace HARD HAT – Ginebra y del Conseil Général de l’Isère.

La Compagnie DACM trabaja en convenio con el Ministère de la Culture et de la Communication – DRAC Grand Est, la Région Grand Est y la Ville de Strasbourg.

Gisèle Vienne recibe regularmente ayuda del Institut Français – Ministère des Affaires Étrangères para giras en el exterior y es una artista asociada del Théâtre Nanterre-Amandiers, Centre Dramatique National y del Théâtre National de Bretagne.

40 portraits 2003-2008

Inauguración 15 de mayo
19.30 hs.
16 al 31 de mayo
Martes a sábado de 14 a 20 hs.

Urquiza
Pje. Giuffra 370 – CABA

Entrada gratuita.

Urquiza Librería / Galería se suma a BP.19 con una propuesta doble: la exposición del artista Juan Reos, gentileza de la Galería Atocha, y una variada selección de publicaciones sobre performance.

En Antes. Un mundo sin reliquias (2017) Reos recrea en grabado obras y episodios performáticos icónicos del arte argentino de los años ’60 que nunca fueron documentados y de los que solo hay relatos, ambiguos y cambiantes. Diez estampas en aguafuerte/aguatinta  (incluidas también en un libro del artista) que unió con un relato ficcional registran performances no documentadas, realizadas por los primeros artistas neo-vanguardistas argentinos como la Carta a Romero Brest, Las fuentes rojas, Bonino aclara ciertas dudas, Tumba de Tut Ank Amon, Greco puto, La pelea, Poesía urbana, El piolín. Así propone un juego imaginario con los límites de la representación y de nuestro imaginario histórico.

Por su parte, a lo largo de BP.19 se presenta una mesa especializada en libros y catálogos de performance para todos los que busquen interiorizarse en la disciplina.

16 de mayo
14.30 a 19 hs.

Centro Cultural Recoleta
Junín 1930 – CABA

Entradas agotadas.

Se recomienda para mayores de 18 años.

Le triomphe de la renommée integra una colección de seis poesías de Petrarca (1304-1374) titulada I trionfi. Estos poemas describen las etapas de la vida mediante duelos en los que se enfrentan las virtudes: la Fama le gana a la Muerte, pero es derrotada por el Tiempo y la Eternidad. Entre las bambalinas del teatro, más allá del escenario, Marie-Caroline Hominal recibe a un invitado por vez, derribando los códigos del artificio teatral al apostar al encuentro cara a cara.

Duración: 15 minutos.

Marie-Caroline Hominal cuenta con el apoyo de City of Geneva, Canton of Geneva y Pro Helvetia, Swiss foundation for culture

INSCRIPCIÓN

Instalación:
12 de mayo
17 a 20 hs.
14 a 18 de mayo
15 a 20 hs.

Entrada gratuita.

C Complejo Art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA

Los artistas pueden ser divididos en dos grandes grupos: aquellos cuya obra dista de su vida real y aquellos cuya existencia se inmiscuye indisolublemente dentro de su producción estética y borra las fronteras entre vida y obra. Nora Lezano pertenece a este segundo grupo. Su obra está profundamente atravesada por sus deseos, su historia, sus miedos, sus dolores, sus fantasías, sus obsesiones. En su producción late algo que siempre parece a punto de explotar. Es como si la artista capturase -quizás por su enorme talento para obturar el disparador en el momento justo- el exacto instante previo a que algo florezca o se desmorone. Inventario es una muestra que funciona como una especie de despedida de un pasado intenso, voraz, fascinante y tormentoso al mismo tiempo, en la que la Nora que fue hasta ayer -y para poder empezar a ser la que es hoy- nos abre su archivo personal compuesto de retazos de evidencias tanto de su vida como de su obra, y que van desde sus mejores fotos profesionales y personales hasta vestigios de su primera infancia, pasando por cartas de novios de adolescencia, sus remeras escritas, dibujos, obras tridimensionales, diarios íntimos, memorabilia, cassettes de audios de contestador telefónico, obras de otros artistas realizadas para ella, hasta llegar al universo del rock y sus listas de temas, autógrafos, credenciales, dibujos y fotos de reconocidos músicos de la escena nacional e internacional. Esta exposición funciona entonces como un doble testimonio de esta artista inclasificable: uno, el de una denodada obsesión por capturar, atesorar cuidadosamente y registrar toda su vida y entorno; y dos, el de una constante búsqueda de eso que la moviliza e inquieta, atrae y repele, desea y desprecia al mismo tiempo: un poco de calma.

Emilio García Wehbi

Muestra

Curaduría: Emilio García Wehbi.

Asistencia técnica y de producción: Amalia Tercelán, Martín Antuña.

Montajista: Fernando Savio

Performance / película

Curaduría: Emilio García Wehbi

Edición fílmica: Martín Antuña, Nora Lezano

Mezcla y mastering de audio: Andrés Mayo, Nicolás Durán Blanco

Agradecimientos: Verónica Odriozola, Ramiro González, Marina Fernández Curutchet, Sofía Abt, Mariano Di Césare, Denise Mayo, Virginia Lioy, Rubén Andón, Violeta Weinschelbaum, Mariano Madueña, Ximena Niederhauser, Mauro López, Lisandro Rodríguez, Soni Rojas, Víctor Moser, Patricio Foglia, Tute, Jorge Araujo, César Silva, Alejandro Pippa, Leticia Starc, Cecilia Estalles, Mono Espacio, Adrián Buono, Maricel Álvarez y a mis padres Nilma Enrico y David Lezano.

C Complejo art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA

Entrada gratuita.

Se recomienda para mayores de 16 años.

Cuatro cuerpos humanos desnudos: cuatro personas durmiendo. Cada uno descansa del mundo que hay afuera, adentro de su sueño. No podremos ver lo que sueñan, pero sí oír y oler algunas pistas. Para lo cual hace falta acercarse a distintos puntos de los durmientes. Ese momento de cuidada aproximación despierta la moralidad inconsciente del tacto, la ética de la proxemia: ¿hasta dónde hacerme presente con mi cuerpo junto a quien está ausente en su soñar? Esa aproximación, con más miramientos que mirada, define al espectador como alguien que “husmea” al otro. Acercarse a quien duerme sin despertarlo, simplemente para contemplarlo en su inocencia perfecta. Bienvenidos al  “hipnódromo” de Cerca: pronto, la ensoñación también envolverá a quien “husmea” y se cree en estado de total lucidez.

Idea y dirección general: Alejandro Ros y Pablo Schanton
Performers: Leandra Levine, Mariana Moreno, Erica D´Alessandro, Mariano Rapetti y Juan Pablo Sierra
Diseño olfativo: International Flavors & Fragrances (IFF Argentina)
Diseño sonoro: Aldo Benítez y Roger Delahaye

MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires)
Av. Figueroa Alcorta 3415 – CABA

Entrada gratuita (Las entradas se pueden retirar en MALBA a partir del 2 de mayo).

La burguesía del siglo XIX inventa el cinematógrafo para capturar lo aleatorio, lo no-premeditado, lo contingente: el mundo y sus acontecimientos. Pocos años más tarde, con la aparición de las masas encuentra otra utilidad: multiplicar representaciones al menor costo. Paradójicamente, de esta manera, las películas se consolidan como medio pero también como producto de entretenimiento mecánico, en cuyo proceso de fabricación se busca evitar todo imprevisto. En adelante, la reiteración del espectáculo (y el espectáculo de la reiteración) conviven con distintas formas de intromisión de aquel primer impulso performático, ya sea por decisión deliberada de algunos creadores, por presión de las condiciones materiales o, incluso, por la oportuna intervención del accidente.

Cine y performance propone al público volver sobre una selección histórica de largometrajes que –en consonancia con la programación de BP.19 y de la mano de charlas con especialistas de distintos ámbitos planificadas para cada proyección- permiten pensar esta tensión y sus implicaciones para las prácticas performáticas actuales.

Jueves 16 de mayo
18.30 hs.
La passion de Jeanne d’Arc (Carl Dreyer, 1928).

Proyección en 35 mm con música en vivo a cargo de Fernando Kabusacki y Matías Mango. A propósito de Ethica. Natura e origine della mente, de Romeo Castellucci.

La función será precedida por Una vez más, el alma, diálogo de Hugo Salas con Hugo Mujica.

Hugo Mujica nació en Buenos Aires en 1942. Poeta y ensayista. Estudió Bellas Artes, Filosofía, Antropología Filosófica y Teología. Participó de la psicodelia neoyorquina en los ’60, se internó en la mística, llevó vida monástica durante siete años, se ordenó sacerdote y estuvo a cargo de una parroquia de Buenos Aires hasta su retiro del servicio pastoral. Esta gama de estudios y experiencias se refleja en la variación de su obra que abarca tanto la filosofía como la antropología, la narrativa como la mística y, en particular, la poesía.

21 hs.
Metropolis (Fritz Lang, 1927).

Proyección en 35 mm con música en vivo de la copia restaurada íntegra a cargo de Fernando Kabusacki y Matías Mango. A propósito de LAST SPRING: A Prequel, de Gisèle Vienne. La función será precedida por El cyborg, una fantasía sobre la naturalidad del cuerpo, diálogo del curador con Florencia Garramuño.

Florencia Garramuño nació en Rosario en 1964. Especialista en teoría literaria y literatura latinoamericana. Obtuvo su doctorado en Princeton University y un postdoctorado en la Universidad Federal do Rio de Janeiro. Es investigadora independiente del Conicet y Directora del Programa en cultura brasileña de la Universidad de San Andrés. Ha publicado numerosos artículos y ensayos en revistas nacionales y extranjeras y ha editado varios volúmenes individuales y colectivos.

Jueves 23 de mayo
18.30 hs.

The General (Buster Keaton, 1926).

Proyección en 16 mm con música en vivo a cargo de Fernando Kabusacki y Matías Mango. A propósito de Los trabajos y los días, de Esteban Feune de Colombi. La función será precedida por La clase trabajadora en un mundo sin trabajo, diálogo del curador con Alcira Argumedo.

Alcira Argumedo nació en Rosario en 1940. Socióloga y docente universitaria. A fines de la década de los ’60, colaboró con Cine de la Base, contribuyendo a la difusión clandestina de La hora de los hornos. También fue parte de las Cátedras Nacionales de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA. Exiliada en México durante la dictadura militar, trabajó en el Instituto Latinoamericano de Estudios Transnacionales, junto a figuras como Gabriel García Márquez, Darcy Ribeiro y Juan Somavía. Tras su vuelta al país, fue electa diputada nacional por dos mandatos consecutivos.

21 hs.
Terra em transe (Glauber Rocha, 1967).

Proyección en 35 mm copia restaurada. A propósito de La remPlaza de Julián D’Angiolillo.

La función será precedida por La actualidad como construcción, la actualidad como realidad, diálogo del curador con Miriam Lewin.

Miriam Lewin nació en Buenos Aires en 1957. Periodista especializada en investigación. Durante los años ’70 militó en la izquierda peronista. Estuvo detenida-desaparecida en los centros clandestinos de detención Virrey Cevallos y ESMA. Ha integrado y dirigido equipos de investigación de los principales noticieros televisivos y emisiones radiofónicas del país. Ha escrito periodismo, cuentos infantiles, memorias, guiones para radio y novela de no ficción.

Jueves 30 de mayo
18.30 hs.

Alphaville (Jean-Luc Godard, 1965). Proyección en 35mm restaurada. A propósito de WANT TO BE AN ARTIST?, de Young-Hae Chang Heavy Industries.

La función será precedida por La escritura como objeto visual, diálogo de Hugo Salas con Pablo Cosgaya.

Pablo Cosgaya nació en Rosario en 1965. Diseñador gráfico especializado en imagen institucional, ediciones y tipografía. Desde 1992, junto a Marcela Romero dirige el Estudio Cosgaya, con el que ha participado de numerosos proyectos de escala nacional y regional, entre ellos la señalización para el transporte urbano de la Ciudad de Buenos Aires. Integra la Asociación Tipográfica Internacional y es miembro fundador del colectivo Tipos Latinos. Es Profesor Titular Regular de Tipografía en la Carrera de Diseño Gráfico de la FADU / UBA y Profesor en la Maestría en Tipografía.

21 hs.
Sedmikrásky (Vera Chytilova, 1966).

Proyección en 35 mm. A propósito de 1999, AVE DIA de Osías Yanov.

La función será precedida por La intervención y la fiesta, espacios de intervención en la escena porteña de 1980 y 1990, diálogo del curador con Katja Alemann.

Katja Alemann nació en Buenos Aires en 1957. Actriz, cantante, escritora y performer. Comenzó su carrera en el teatro independiente en 1979. A partir de 1982, realiza junto a Omar Chabán varios espectáculos en Café Einstein y más tarde participa activamente de la movida cultural independiente por medio de su trabajo incansable como performer en la emblemática Cemento, de la que fue cofundadora. Es además, creadora de la ONG ReciclARTE, que lleva adelante distintas acciones e intervenciones artísticas que procuran concientizar acerca del impacto del reciclaje en el medio ambiente.

ACERCA DEL CURADOR

Hugo Salas nació en Caleta Olivia en 1976. Crítico cultural, traductor y escritor. Estudió Dirección de Fotografía y Cámara y es Licenciado en Letras. Durante varios años ejerció la crítica y el periodismo en distintos medios, entre ellos Radar (Página/12), Ñ (Clarín), Review y Los inrockuptibles. Ha traducido al español obras de Derek Jarman, Sarah Ahmed, Helen Hester, Homi K. Bhabha y Gerald Cohen. Es también docente universitario. Su producción literaria comprende fundamentalmente obras de narrativa.

16 de mayo
20 hs.

Centro Cultural Recoleta
Junín 1930 – CABA

INSCRIPCIÓN

MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires)
Av. Figueroa Alcorta 3415 – CABA

Entrada gratuita (Las entradas se pueden retirar en MALBA a partir del 2 de mayo).

La burguesía del siglo XIX inventa el cinematógrafo para capturar lo aleatorio, lo no-premeditado, lo contingente: el mundo y sus acontecimientos. Pocos años más tarde, con la aparición de las masas encuentra otra utilidad: multiplicar representaciones al menor costo. Paradójicamente, de esta manera, las películas se consolidan como medio pero también como producto de entretenimiento mecánico, en cuyo proceso de fabricación se busca evitar todo imprevisto. En adelante, la reiteración del espectáculo (y el espectáculo de la reiteración) conviven con distintas formas de intromisión de aquel primer impulso performático, ya sea por decisión deliberada de algunos creadores, por presión de las condiciones materiales o, incluso, por la oportuna intervención del accidente.

Cine y performance propone al público volver sobre una selección histórica de largometrajes que –en consonancia con la programación de BP.19 y de la mano de charlas con especialistas de distintos ámbitos planificadas para cada proyección- permiten pensar esta tensión y sus implicaciones para las prácticas performáticas actuales.

Jueves 16 de mayo
18.30 hs.
La passion de Jeanne d’Arc (Carl Dreyer, 1928).

Proyección en 35 mm con música en vivo a cargo de Fernando Kabusacki y Matías Mango. A propósito de Ethica. Natura e origine della mente, de Romeo Castellucci.

La función será precedida por Una vez más, el alma, diálogo de Hugo Salas con Hugo Mujica.

Hugo Mujica nació en Buenos Aires en 1942. Poeta y ensayista. Estudió Bellas Artes, Filosofía, Antropología Filosófica y Teología. Participó de la psicodelia neoyorquina en los ’60, se internó en la mística, llevó vida monástica durante siete años, se ordenó sacerdote y estuvo a cargo de una parroquia de Buenos Aires hasta su retiro del servicio pastoral. Esta gama de estudios y experiencias se refleja en la variación de su obra que abarca tanto la filosofía como la antropología, la narrativa como la mística y, en particular, la poesía.

21 hs.
Metropolis (Fritz Lang, 1927).

Proyección en 35 mm con música en vivo de la copia restaurada íntegra a cargo de Fernando Kabusacki y Matías Mango. A propósito de LAST SPRING: A Prequel, de Gisèle Vienne. La función será precedida por El cyborg, una fantasía sobre la naturalidad del cuerpo, diálogo del curador con Florencia Garramuño.

Florencia Garramuño nació en Rosario en 1964. Especialista en teoría literaria y literatura latinoamericana. Obtuvo su doctorado en Princeton University y un postdoctorado en la Universidad Federal do Rio de Janeiro. Es investigadora independiente del Conicet y Directora del Programa en cultura brasileña de la Universidad de San Andrés. Ha publicado numerosos artículos y ensayos en revistas nacionales y extranjeras y ha editado varios volúmenes individuales y colectivos.

Jueves 23 de mayo
18.30 hs.

The General (Buster Keaton, 1926).

Proyección en 16 mm con música en vivo a cargo de Fernando Kabusacki y Matías Mango. A propósito de Los trabajos y los días, de Esteban Feune de Colombi. La función será precedida por La clase trabajadora en un mundo sin trabajo, diálogo del curador con Alcira Argumedo.

Alcira Argumedo nació en Rosario en 1940. Socióloga y docente universitaria. A fines de la década de los ’60, colaboró con Cine de la Base, contribuyendo a la difusión clandestina de La hora de los hornos. También fue parte de las Cátedras Nacionales de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA. Exiliada en México durante la dictadura militar, trabajó en el Instituto Latinoamericano de Estudios Transnacionales, junto a figuras como Gabriel García Márquez, Darcy Ribeiro y Juan Somavía. Tras su vuelta al país, fue electa diputada nacional por dos mandatos consecutivos.

21 hs.
Terra em transe (Glauber Rocha, 1967).

Proyección en 35 mm copia restaurada. A propósito de La remPlaza de Julián D’Angiolillo.

La función será precedida por La actualidad como construcción, la actualidad como realidad, diálogo del curador con Miriam Lewin.

Miriam Lewin nació en Buenos Aires en 1957. Periodista especializada en investigación. Durante los años ’70 militó en la izquierda peronista. Estuvo detenida-desaparecida en los centros clandestinos de detención Virrey Cevallos y ESMA. Ha integrado y dirigido equipos de investigación de los principales noticieros televisivos y emisiones radiofónicas del país. Ha escrito periodismo, cuentos infantiles, memorias, guiones para radio y novela de no ficción.

Jueves 30 de mayo
18.30 hs.

Alphaville (Jean-Luc Godard, 1965). Proyección en 35mm restaurada. A propósito de WANT TO BE AN ARTIST?, de Young-Hae Chang Heavy Industries.

La función será precedida por La escritura como objeto visual, diálogo de Hugo Salas con Pablo Cosgaya.

Pablo Cosgaya nació en Rosario en 1965. Diseñador gráfico especializado en imagen institucional, ediciones y tipografía. Desde 1992, junto a Marcela Romero dirige el Estudio Cosgaya, con el que ha participado de numerosos proyectos de escala nacional y regional, entre ellos la señalización para el transporte urbano de la Ciudad de Buenos Aires. Integra la Asociación Tipográfica Internacional y es miembro fundador del colectivo Tipos Latinos. Es Profesor Titular Regular de Tipografía en la Carrera de Diseño Gráfico de la FADU / UBA y Profesor en la Maestría en Tipografía.

21 hs.
Sedmikrásky (Vera Chytilova, 1966).

Proyección en 35 mm. A propósito de 1999, AVE DIA de Osías Yanov.

La función será precedida por La intervención y la fiesta, espacios de intervención en la escena porteña de 1980 y 1990, diálogo del curador con Katja Alemann.

Katja Alemann nació en Buenos Aires en 1957. Actriz, cantante, escritora y performer. Comenzó su carrera en el teatro independiente en 1979. A partir de 1982, realiza junto a Omar Chabán varios espectáculos en Café Einstein y más tarde participa activamente de la movida cultural independiente por medio de su trabajo incansable como performer en la emblemática Cemento, de la que fue cofundadora. Es además, creadora de la ONG ReciclARTE, que lleva adelante distintas acciones e intervenciones artísticas que procuran concientizar acerca del impacto del reciclaje en el medio ambiente.

ACERCA DEL CURADOR

Hugo Salas nació en Caleta Olivia en 1976. Crítico cultural, traductor y escritor. Estudió Dirección de Fotografía y Cámara y es Licenciado en Letras. Durante varios años ejerció la crítica y el periodismo en distintos medios, entre ellos Radar (Página/12), Ñ (Clarín), Review y Los inrockuptibles. Ha traducido al español obras de Derek Jarman, Sarah Ahmed, Helen Hester, Homi K. Bhabha y Gerald Cohen. Es también docente universitario. Su producción literaria comprende fundamentalmente obras de narrativa.

Espacio Público

Se recomienda para mayores de 18 años.

Entradas gratuitas con inscripción previa disponibles del 22 de abril al 3 de mayo. Los participantes serán seleccionados por el artista, quien se comunicará con cada uno de ellos para coordinar los detalles. La inscripción no asegura la participación.

En El cuaderno de Bento John Berger plantea un paralelismo entre el acto de pilotear una moto y el de dibujar. Esta experiencia desarrolla esta unión. La propuesta es simple: el artista (conductor) lleva a un espectador (pasajero) a realizar un recorrido en moto con un fin específico (realizar un trámite pendiente; entregar una carta; visitar a una persona, un lugar o, simplemente, pasear por la ciudad). El cuerpo del performer se ofrece como catalizador de un movimiento eterno de cuerpos. Un pacto de confianza: llevar; acompañar. Una unión momentánea. Estabilidad y movimiento. El peso de dos cuerpos en equilibrio desplazándose por el espacio y, a la vez, el registro plástico de ese movimiento. La posibilidad de decir: “Estuve acá y me moví en esta dirección”. Pensar la trayectoria de la moto como si fuera una línea dibujada en el suelo. Comprender que no sólo se tiene un cuerpo que nos distingue de los otros, sino que somos cuerpo incorporado a una matriz extensa y simbólica: cuerpo que es signo, por excelencia, de movilidad y transformación.

Creación e interpretación: Lisandro Rodríguez
Producción y asistencia artística: Carla Petrillo
Colaboración artística: Martín Seijo y Diego Vainer
Producción ejecutiva: Débora Staiff, Índigo Producciones

Inscripción concluida el 3 de mayo.

Del 10 de mayo al 31 de julio
Martes a viernes, de 11 a 20 hs. Sábados y domingos, de 10 a 20 hs.
Entrada gratuita sin inscripción previa.

Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA)
Av. del Libertador 1473 – CABA

Entrada gratuita.

LAST SPRING: A Prequel

LAST SPRING: A Prequel pone en escena a un adolescente, personificado por un muñeco robótico, que interpreta un diálogo esquizofrénico con una marioneta de guante. Juntos evocan un espacio de realidades inciertas para el espectador. El adolescente ha intentado dibujar obsesivamente los planos de este otro espacio cuya arquitectura recuerda un juego. Así va develando, también, la arquitectura del espacio a través de la estructura misma del texto que interpreta… y se revela atrapado en su propio diálogo. Este falso charlatán permite descubrir oscuramente los ejes principales que rigen el juego y muestra la psicosis de la que no puede escapar.

Idea y dirección: Gisèle Vienne
Texto y dramaturgia: Dennis Cooper
Traducción al español: Rafael Spregelburd
Voz: Jonathan Capdevielle
Música: Peter Rehberg y Stephen O’Malley
Iluminación: Patrick Riou
Dirección de luces: Arnaud Lavisse
Dirección de marionetas y animación: Raphaël Rubbens, Dorothéa Vienne-Pollak, Nicolas Herlin (CLSFX) y Gisèle Vienne
Murales: Stephen O’Malley
Instalación sonora y programación: Gérard d’Elia y Adrien Michel
Dirección electrónica y programación de muñecos robotizados: Nicolas Darrot
Producción ejecutiva: DACM

LAST SPRING: A Prequel es una coproducción de Le Quartz, Scène Nationale de Brest, Le Parvis, Scène Nationale de Tarbes – Pyrénées y Centre Pompidou de París. Cuenta con el apoyo del Centre d’Art Passerelle – Brest, del Espace HARD HAT – Ginebra y del Conseil Général de l’Isère.

La Compagnie DACM trabaja en convenio con el Ministère de la Culture et de la Communication – DRAC Grand Est, la Région Grand Est y la Ville de Strasbourg.

Gisèle Vienne recibe regularmente ayuda del Institut Français – Ministère des Affaires Étrangères para giras en el exterior y es una artista asociada del Théâtre Nanterre-Amandiers, Centre Dramatique National y del Théâtre National de Bretagne.

40 portraits 2003-2008

Inauguración 15 de mayo
19.30 hs.
16 al 31 de mayo
Martes a sábado de 14 a 20 hs.

Urquiza
Pje. Giuffra 370 – CABA

Entrada gratuita.

Urquiza Librería / Galería se suma a BP.19 con una propuesta doble: la exposición del artista Juan Reos, gentileza de la Galería Atocha, y una variada selección de publicaciones sobre performance.

En Antes. Un mundo sin reliquias (2017) Reos recrea en grabado obras y episodios performáticos icónicos del arte argentino de los años ’60 que nunca fueron documentados y de los que solo hay relatos, ambiguos y cambiantes. Diez estampas en aguafuerte/aguatinta  (incluidas también en un libro del artista) que unió con un relato ficcional registran performances no documentadas, realizadas por los primeros artistas neo-vanguardistas argentinos como la Carta a Romero Brest, Las fuentes rojas, Bonino aclara ciertas dudas, Tumba de Tut Ank Amon, Greco puto, La pelea, Poesía urbana, El piolín. Así propone un juego imaginario con los límites de la representación y de nuestro imaginario histórico.

Por su parte, a lo largo de BP.19 se presenta una mesa especializada en libros y catálogos de performance para todos los que busquen interiorizarse en la disciplina.

INSCRIPCIÓN

Instalación:
12 de mayo
17 a 20 hs.
14 a 18 de mayo
15 a 20 hs.

Entrada gratuita.

C Complejo Art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA

Los artistas pueden ser divididos en dos grandes grupos: aquellos cuya obra dista de su vida real y aquellos cuya existencia se inmiscuye indisolublemente dentro de su producción estética y borra las fronteras entre vida y obra. Nora Lezano pertenece a este segundo grupo. Su obra está profundamente atravesada por sus deseos, su historia, sus miedos, sus dolores, sus fantasías, sus obsesiones. En su producción late algo que siempre parece a punto de explotar. Es como si la artista capturase -quizás por su enorme talento para obturar el disparador en el momento justo- el exacto instante previo a que algo florezca o se desmorone. Inventario es una muestra que funciona como una especie de despedida de un pasado intenso, voraz, fascinante y tormentoso al mismo tiempo, en la que la Nora que fue hasta ayer -y para poder empezar a ser la que es hoy- nos abre su archivo personal compuesto de retazos de evidencias tanto de su vida como de su obra, y que van desde sus mejores fotos profesionales y personales hasta vestigios de su primera infancia, pasando por cartas de novios de adolescencia, sus remeras escritas, dibujos, obras tridimensionales, diarios íntimos, memorabilia, cassettes de audios de contestador telefónico, obras de otros artistas realizadas para ella, hasta llegar al universo del rock y sus listas de temas, autógrafos, credenciales, dibujos y fotos de reconocidos músicos de la escena nacional e internacional. Esta exposición funciona entonces como un doble testimonio de esta artista inclasificable: uno, el de una denodada obsesión por capturar, atesorar cuidadosamente y registrar toda su vida y entorno; y dos, el de una constante búsqueda de eso que la moviliza e inquieta, atrae y repele, desea y desprecia al mismo tiempo: un poco de calma.

Emilio García Wehbi

Muestra

Curaduría: Emilio García Wehbi.

Asistencia técnica y de producción: Amalia Tercelán, Martín Antuña.

Montajista: Fernando Savio

Performance / película

Curaduría: Emilio García Wehbi

Edición fílmica: Martín Antuña, Nora Lezano

Mezcla y mastering de audio: Andrés Mayo, Nicolás Durán Blanco

Agradecimientos: Verónica Odriozola, Ramiro González, Marina Fernández Curutchet, Sofía Abt, Mariano Di Césare, Denise Mayo, Virginia Lioy, Rubén Andón, Violeta Weinschelbaum, Mariano Madueña, Ximena Niederhauser, Mauro López, Lisandro Rodríguez, Soni Rojas, Víctor Moser, Patricio Foglia, Tute, Jorge Araujo, César Silva, Alejandro Pippa, Leticia Starc, Cecilia Estalles, Mono Espacio, Adrián Buono, Maricel Álvarez y a mis padres Nilma Enrico y David Lezano.

C Complejo art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA

Entrada gratuita.

¿Sangre o kétchup? Transubstanciaciones de Emilio García Wehbi (Argentina) y José Alejandro Restrepo (Colombia) es el primer libro de la colección “Acciones de escritura” de  Ediciones DocumentA/Escénicas. Surgido de la pieza estrenada en BP.17, es una puesta en escena dentro de un dispositivo editorial: expone una experiencia de montaje en vivo a partir de imágenes propuestas y puestas en relación por ambos artistas para generar una colisión de miradas y de lecturas. Una acción que se articula en relación con la conmoción que produce en García Wehbi y Restrepo la simplificada afirmación de Marina Abramovic: “La diferencia entre teatro y performance es que en la performance la sangre es sangre y en el teatro la sangre es kétchup”. Desde esta perspectiva, ambos artistas enfocan el diálogo en las tensiones entre lo real y lo ficcional en el arte y en la realidad en esta época de “posverdad”, haciendo un recorrido transversal por la historia del arte, sus propias experiencias artísticas y el relato de la realidad producido por los medios masivos de comunicación. Cómo lo real puede -y suele- devenir ficción y viceversa, partiendo de la premisa de que los límites identificatorios entre lo real y lo simbólico se han corrido y/o alterado nutriéndose entre sí, transubstanciándose para generar dilemas entre representación y presentación. En este libro la acción es el  pensamiento que se pone en marcha a partir de cada montaje de imágenes.

Del 10 de mayo al 31 de julio
Martes a viernes, de 11 a 20 hs. Sábados y domingos, de 10 a 20 hs.
Entrada gratuita sin inscripción previa.

Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA)
Av. del Libertador 1473 – CABA

Entrada gratuita.

LAST SPRING: A Prequel

LAST SPRING: A Prequel pone en escena a un adolescente, personificado por un muñeco robótico, que interpreta un diálogo esquizofrénico con una marioneta de guante. Juntos evocan un espacio de realidades inciertas para el espectador. El adolescente ha intentado dibujar obsesivamente los planos de este otro espacio cuya arquitectura recuerda un juego. Así va develando, también, la arquitectura del espacio a través de la estructura misma del texto que interpreta… y se revela atrapado en su propio diálogo. Este falso charlatán permite descubrir oscuramente los ejes principales que rigen el juego y muestra la psicosis de la que no puede escapar.

Idea y dirección: Gisèle Vienne
Texto y dramaturgia: Dennis Cooper
Traducción al español: Rafael Spregelburd
Voz: Jonathan Capdevielle
Música: Peter Rehberg y Stephen O’Malley
Iluminación: Patrick Riou
Dirección de luces: Arnaud Lavisse
Dirección de marionetas y animación: Raphaël Rubbens, Dorothéa Vienne-Pollak, Nicolas Herlin (CLSFX) y Gisèle Vienne
Murales: Stephen O’Malley
Instalación sonora y programación: Gérard d’Elia y Adrien Michel
Dirección electrónica y programación de muñecos robotizados: Nicolas Darrot
Producción ejecutiva: DACM

LAST SPRING: A Prequel es una coproducción de Le Quartz, Scène Nationale de Brest, Le Parvis, Scène Nationale de Tarbes – Pyrénées y Centre Pompidou de París. Cuenta con el apoyo del Centre d’Art Passerelle – Brest, del Espace HARD HAT – Ginebra y del Conseil Général de l’Isère.

La Compagnie DACM trabaja en convenio con el Ministère de la Culture et de la Communication – DRAC Grand Est, la Région Grand Est y la Ville de Strasbourg.

Gisèle Vienne recibe regularmente ayuda del Institut Français – Ministère des Affaires Étrangères para giras en el exterior y es una artista asociada del Théâtre Nanterre-Amandiers, Centre Dramatique National y del Théâtre National de Bretagne.

40 portraits 2003-2008

Fotografías de Gisèle Vienne

Inauguración 15 de mayo
19.30 hs.
16 al 31 de mayo
Martes a sábado de 14 a 20 hs.

Urquiza
Pje. Giuffra 370 – CABA

Entrada gratuita.

Urquiza Librería / Galería se suma a BP.19 con una propuesta doble: la exposición del artista Juan Reos, gentileza de la Galería Atocha, y una variada selección de publicaciones sobre performance.

En Antes. Un mundo sin reliquias (2017) Reos recrea en grabado obras y episodios performáticos icónicos del arte argentino de los años ’60 que nunca fueron documentados y de los que solo hay relatos, ambiguos y cambiantes. Diez estampas en aguafuerte/aguatinta  (incluidas también en un libro del artista) que unió con un relato ficcional registran performances no documentadas, realizadas por los primeros artistas neo-vanguardistas argentinos como la Carta a Romero Brest, Las fuentes rojas, Bonino aclara ciertas dudas, Tumba de Tut Ank Amon, Greco puto, La pelea, Poesía urbana, El piolín. Así propone un juego imaginario con los límites de la representación y de nuestro imaginario histórico.

Por su parte, a lo largo de BP.19 se presenta una mesa especializada en libros y catálogos de performance para todos los que busquen interiorizarse en la disciplina.

INSCRIPCIÓN

Instalación:
12 de mayo
17 a 20 hs.
14 a 18 de mayo
15 a 20 hs.

Entrada gratuita.

C Complejo Art_media
Av. Corrientes 6271 – CABA

Los artistas pueden ser divididos en dos grandes grupos: aquellos cuya obra dista de su vida real y aquellos cuya existencia se inmiscuye indisolublemente dentro de su producción estética y borra las fronteras entre vida y obra. Nora Lezano pertenece a este segundo grupo. Su obra está profundamente atravesada por sus deseos, su historia, sus miedos, sus dolores, sus fantasías, sus obsesiones. En su producción late algo que siempre parece a punto de explotar. Es como si la artista capturase -quizás por su enorme talento para obturar el disparador en el momento justo- el exacto instante previo a que algo florezca o se desmorone. Inventario es una muestra que funciona como una especie de despedida de un pasado intenso, voraz, fascinante y tormentoso al mismo tiempo, en la que la Nora que fue hasta ayer -y para poder empezar a ser la que es hoy- nos abre su archivo personal compuesto de retazos de evidencias tanto de su vida como de su obra, y que van desde sus mejores fotos profesionales y personales hasta vestigios de su primera infancia, pasando por cartas de novios de adolescencia, sus remeras escritas, dibujos, obras tridimensionales, diarios íntimos, memorabilia, cassettes de audios de contestador telefónico, obras de otros artistas realizadas para ella, hasta llegar al universo del rock y sus listas de temas, autógrafos, credenciales, dibujos y fotos de reconocidos músicos de la escena nacional e internacional. Esta exposición funciona entonces como un doble testimonio de esta artista inclasificable: uno, el de una denodada obsesión por capturar, atesorar cuidadosamente y registrar toda su vida y entorno; y dos, el de una constante búsqueda de eso que la moviliza e inquieta, atrae y repele, desea y desprecia al mismo tiempo: un poco de calma.

Emilio García Wehbi

Muestra

Curaduría: Emilio García Wehbi.

Asistencia técnica y de producción: Amalia Tercelán, Martín Antuña.

Montajista: Fernando Savio

Performance / película

Curaduría: Emilio García Wehbi

Edición fílmica: Martín Antuña, Nora Lezano

Mezcla y mastering de audio: Andrés Mayo, Nicolás Durán Blanco

Agradecimientos: Verónica Odriozola, Ramiro González, Marina Fernández Curutchet, Sofía Abt, Mariano Di Césare, Denise Mayo, Virginia Lioy, Rubén Andón, Violeta Weinschelbaum, Mariano Madueña, Ximena Niederhauser, Mauro López, Lisandro Rodríguez, Soni Rojas, Víctor Moser, Patricio Foglia, Tute, Jorge Araujo, César Silva, Alejandro Pippa, Leticia Starc, Cecilia Estalles, Mono Espacio, Adrián Buono, Maricel Álvarez y a mis padres Nilma Enrico y David Lezano.