BP 17 - Bienal de performance » Artistas

Zypce

Leandro Ibarra — Fri, 24 Feb 2017 16:13:55 +0000

Zypce nació en 1973 en Buenos Aires, donde actualmente vive y trabaja.
Es compositor, músico, constructor de instrumentos alternativos, técnico/diseñador de sonido y cantante de tango. Su trabajo en composición está relacionado con la puesta en escena y la inclusión de elementos que devienen sonido, más allá de su funcionalidad particular: material de descarte, cuerdas de herramientas eléctricas tensadas, percusión alternativa, objetos de uso cotidiano, etc. Luego aparecen procesos digitales por contraste: filtros poco invasivos de la fuente original o la eliminación a través de triggers de la referencia sonora del objeto.
Realizó composiciones originales para obras de teatro, audiovisuales y de danza en Argentina y en otros países como Chile, Bolivia, Brasil, Francia, Italia, Alemania, España, Australia, Nueva Zelanda, Corea y Japón. Desde 1991 monta espectáculos independientes.
Recibió distinciones por Apátrida, doscientos años y unos meses, en la que trabajó con Rafael Spregelburd; además obtuvo el Premio ACE 2012 a la “Mejor música original”; el Premio Argentores a la “Mejor obra musical” y los Premios Teatro del Mundo a la “Creación” y a la “Interpretación musical” por SPAM, también realizada con Spregelburd.

Coproducción: arteBA, ArtexArte Fundación Alfonso y Luz Castillo y BP.17

Amalia Ulman

indianobros — Fri, 24 Feb 2017 16:12:36 +0000

Amalia Ulman nació en 1989 en Buenos Aires. Actualmente vive y trabaja en Los Ángeles y Gijón.
Es una artista multidisciplinaria, se graduó en la Central Saint Martins, Londres. Desde tempranas obras web hasta nuevas piezas que toman formas esculturales e incorporan el uso de instalaciones, fotografías y actos performativos, Ullman aplica diferentes técnicas dependiendo de los proyectos, la exposición o el conjunto de obras, tratando de generar una conversación entre concepto y medio. Sus creaciones focalizan las diferencias sociales y cómo estas afectan las interacciones interpersonales, las emociones y las relaciones humanas, trabajando la estratificación social, el capital cultural, la imitación de clase y la seducción. Su objetivo es el escrutinio de las estructuras jerárquicas, las relaciones de poder, la caridad y la empatía.
En paralelo con su carrera artística, mantiene un constante interés por las prácticas curacionales, la escritura de textos ensayísticos y la literatura. Es la fundadora y directora del proyecto MAWU-LISA y co-fundadora del proyecto Immune Stability que aúna moda arte y tecnología. Escribió ensayos como F/F (Friends & Favourites), publicado por revistas especializadas impresas y online.

Producción: Galería Barro.

Santiago Sierra

indianobros — Fri, 24 Feb 2017 16:11:15 +0000

Santiago Sierra nació en 1966 en Madrid, donde actualmente vive y trabaja.
Es performer, fotógrafo, y video creador. Su obra intenta visibilizar la perversidad de las tramas de poder que fomentan la alienación y explotación de los trabajadores, el reparto desigual de la riqueza y las discriminaciones por motivos raciales. Se licenció en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid (UCM) y completó su formación en Hamburgo con F. E. Walter, S. Browm y B. J. Blume. Comenzó en los circuitos artísticos alternativos de Madrid, trabajando posteriormente en México (1995-2006) y en Italia (2006-2010).
Retomando y actualizando algunas estrategias propias del minimalismo, el arte conceptual y la performance de los años setenta, Sierra interrumpe los flujos de capital y mercancías realizando Obstrucción de una vía con un contenedor de carga (1998) y Persona obstruyendo una línea de containers (2009); también contrata a trabajadores para exponer su situación precaria y produce 20 trabajadores en la bodega de un barco (2001); explora los mecanismos de segregación racial que se derivan de las desigualdades económicas y presenta Contratación y ordenación de 30 trabajadores conforme al color de su piel (2002) y Estudio económico de la piel de los caraqueños (2006); e impugna los relatos que legitiman una democracia sustentada sobre la violencia de estado en Veteranos de las guerras de Camboya, Ruanda, Kosovo, Afganistan e Irak de cara a la pared (2010-2012) y Los encargados (2012).

Producción: Centro Cultural Recoleta y BP.17 con el apoyo del Centro Cultural de España.
Coproducción: Lisson Gallery (Londres), CCA (Tel Aviv), Wiener Festwochen (Viena).

Julian Rosefeldt

indianobros — Fri, 24 Feb 2017 16:10:25 +0000

Julian Rosefeldt nació en 1965 en Munich. Actualmente vive y trabaja en Berlín.
Es cineasta y videasta. Desde 2001 tiene una cátedra en time-based media (piezas donde la duración es parte de su dimensión) en la Academy of Fine Arts de Munich. Ha realizado exhibiciones en museos y festivales en todo el mundo. Su trabajo es parte de importantes colecciones como la Neue Nationalgalerie de Berlín, la Saatchi Collection de Londres y el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York.
Algunas de sus exhibiciones se realizaron en el Park Avenue Armory de Nueva York, en el Sprengel Museum Hannover, en la Art Gallery of New South Wales de Sidney, en el Hamburger Bahnhof-Museum für Gegenwart de Berlín, el British Film Institute de Londres, la Berlinische Galerie Berlin, la Platform China Beijing, el BALTIC Center for Contemporary Art Gateshead, el Goethe-Institute de París, la Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig, entre otros lugares renombrados.
Entre sus muestras colectivas figuran: Wolfsburg Unlimited en el Kunstmuseum Wolfsburg; Zeitgeist: The Art of New Berlin en el CCBB Río de Janeiro; Moving Time: Video Art at 50, 1965-2015 en The Eli and Edythe Broad Museum de Michigan; Conflict, Time, Photography en el Tate Modern de Londres (2014); Crescendo en el ACCA Australian Center for Contemporary Art de Melbourne; 1. Bienal de Montevideo.
Sus últimos trabajos son Manifesto (2016), In the Land of Drought y The Swap (2015), Deep Gold (2014), My Home Is a Dark and Cloud-Hung Land (2011), The Opening (2010), American Night (2009), The Shift (2008), The Ship of Fools (2007).

Julian Rosefeldt, Manifesto, 2015 © Julian Rosefeldt and VG Bild-Kunst, Bonn 2016

Coproducción: Goethe-Institut Buenos Aires, MALBA y BP.17

Dudu Quintanilha

indianobros — Fri, 24 Feb 2017 16:09:39 +0000

Dudu Quintanilha nació en Bauru, San Pablo, Brasil, en 1987. Vive y trabaja en Sao Paulo.
Inicialmente autodidacta, a partir de 2004 empezó a realizar cursos, clínicas y seminarios de arte y fotografía y a trabajar como asistente de prestigiosos fotógrafos. También cursó dos años la carrera de Artes Visuales del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA). Además participó en las residencias Q21 en MuseumsQuartier, Viena; en Red Bull Station, San Pablo; en Casa das Caldeiras, San Pablo; en la residencia para colectivos en Casa do Povo, San Pablo; y en LEA del Faena Arts Center, Buenos aires.
En septiembre de 2015 fundó con Anita Silvia de Mexa un grupo de diversidad en relación con poblaciones en situación de vulnerabilidad que trabaja en San Pablo con el que realizó varias acciones con diversos artistas. También integra desde 2009 el colectivo Cooperativa Guatemalteca que desarrollan proyectos de “arte de agitación”.
Entre sus exposiciones individuales figuran Passinho (2016, Dot FiftyOne Gallery, Miami), Ingobernables (2015, Mite Galería, Buenos Aires) y Young at Heart (2014, Solo Projects de ARCOmadrid, Madrid); algunas de sus muestras colectivas fueron: Touch the Reality (2016, Kunstraum NÖ, Viena) y Tempo Forte (2016, Casa das Caldeiras, San Pablo). También desarrolla proyectos cinematográficos con Daniel Favaretto, como el corto Eu vou me piratear, exhibido en varios festivales internacionales y ganador del Primer Premio ISAT en Asterisco, Festival LGBT de Argentina.

Producción: Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella con el apoyo de la Embajada de Brasil, Canta Brasil, Animal y el Ministerio de Cultura – Presidencia de la Nación.

Liliana Porter

indianobros — Fri, 24 Feb 2017 16:08:25 +0000

Liliana Porter nació en Buenos Aires en 1941. Desde 1964, reside en Nueva York.
Su trabajo incluye obras sobre tela, grabado, dibujo, fotografía, video, instalaciones y teatro.
Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires y en la Universidad Iberoamericana de la ciudad de México. En 1965 fue cofundadora del New York Graphic Workshop. Ganó las siguientes becas: la Guggenheim (1980), tres de la New York Foundation from the Arts (1985, 1996, 1999); la Mid Atlantic/NEA Regional Fellowship (1994) y siete PSC-CUNY Research Award (desde 1994 hasta 2004). Es Académica Correspondiente de Argentina desde 2003 y Académica Correspondiente de Argentina para los Estados Unidos desde 2009.
Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas, encontrándose en instituciones como el Museo Nacional de Bellas Artes, el MALBA, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; el MoMA, el Metropolitan Museum y el Whitney Museum de Nueva York; el Tate Modern and British Museum de Londres; la Colección Daros de Zurich; el Fogg Art Museum de la Universidad de Harvard; el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y Museo Tamayo de México.
También realizó tres obras teatrales con la codireccion de Ana Tiscornia y música de Sylvia Meyer: Entreactos: situaciones breves (2014), patrocinada por la Universidad Torcuato Di Tella; El orden de las cosas (bocetos) (2015), integrante del ciclo El Borde de sí mismo: ensayos entre el teatro y las artes visuales del Museo de Arte Moderno y Domar al león y otras dudas, presentada en el Parque de la Memoria.

Producción: Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

Gastón Pérsico

indianobros — Fri, 24 Feb 2017 16:07:34 +0000

Gastón Pérsico nació en Buenos Aires en 1972, donde actualmente vive y trabaja.
Es un artista interdisciplinario que utiliza formatos diversos como instalaciones, publicaciones o eventos participativos. Egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes “Rogelio Yrutia”. Se graduó en Diseño Gráfico en la Universidad de Buenos Aires (UBA). Fue becario del Programa de Talleres para las Artes Visuales Rojas UBA/Kuitca y del Programa 2010 de CIA (Centro de Investigaciones Artísticas). Formó parte del colectivo Suscripción.
En 2009 obtuvo una Beca Nacional del Fondo Nacional de las Artes. En 2006 recibió el segundo Premio ArteBA-Petrobras por Heavy Mental Records.
Con Cecilia Szalkowicz realizaron los proyectos Copy-Paste: Random Wishes (2007) y Copy-Paste: AutoZine (2009). Con ella y Mariano Mayer presentaron Foreword cubista (2010) y publican desde 2006 Script (Madrid-Buenos Aires). Con Szalkowicz, Roman Schramm y Hella Gerlach realizaron el proyecto Reunión (Buenos Aires-Berlín), apoyado por el Institut für Auslandsbeziehungen.
Expuso individualmente en espacios como Nora Fisch Arte Contemporáneo, el Centro Cultural Brasil Argentina (CCEBA) y el Instituto Goethe; y colectivamente en la Fundación Proa, en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y en el de Mendoza, en MAC Niteroi (Río de Janeiro), en la Casa Encendida (Madrid), en el Centro Párraga (Murcia), en la Traschi Gallery (Santiago de Chile) y en Printed Matter (Nueva York), entre otros.
Publicó el libro Humo (2011).

Coproducción: Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) con el apoyo del Ministerio de Cultura – Presidencia de la Nación, Centro Cultural de España en Buenos Aires y el Instituto Italiano de Cultura.

Agustina Muñoz / Bárbara Hang

Leandro Ibarra — Fri, 24 Feb 2017 16:06:41 +0000

Agustina Muñoz trabaja en cine, teatro y performance. Dirigió y escribió Las mujeres entre los hielos, El calor del cuerpo y Neón; también las performances Toda esta gente, presentada en Centro Cultural Rojas; Él lo sabe; o quizás tampoco lo sepa, en colaboración con Florencia Rodríguez Giles, en el Instituto DiTella; Para el pueblo lo que es del pueblo: cláusula reservada, en colaboración con Mariana Obersztern, en la Galería Foster Catena; y Preparación en Das Amsterdam. Además dirigió con Eduardo Stupía Teatro Martín Fierro en el Centro de Experimentación del Teatro Colón. Desde 2015 hasta 2017 realizó gracias a una beca en Amsterdam el Master en Teatro en Das. Fue curadora y directora de Piezas para audiencia, ciclo de performances de Yoko Ono en el MALBA. Sus obras se presentaron en Cuba, Chile, España, Suiza, Holanda e Irlanda. Obtuvo el Primer Premio de Dramaturgia Innovadora del Festival Escena Contemporánea de Madrid, el Primer Premio Nacional de Dramaturgia del Instituto del Teatro, el Premio GAI (Jóvenes Artistas Italianos) y el Premio a Mejor Actriz en el BAFICI 2014.

Bárbara Hang es coreógrafa y bailarina. Recibió becas del Fondo Metropolitano de Artes y Ciencias, del Fondo Nacional de las Artes, del TheaterFormen de Alemania, de la danceWeb de Austria, de la UNESCO y del Centro de Investigaciones Artísticas (CIA). Explora distintos soportes como la instalación, el video y la performance. En 2010 fundó con Ana Laura Lozza el sello Acá no hay delivery con base en Buenos Aires y Berlín; en él crearon las obras: Eso que es la cosa, Untitled (4 artificios), 4 artificios, The vanishing meeting y Arcadia. Sus obras se presentaron en Argentina, Alemania, Holanda y Austria. Colabora continuamente en proyectos de distintas disciplinas como las artes visuales, el cine y el teatro. Actualmente desarrolla proyectos con Diana Szeinblum, Florencia Rodríguez Giles y Agustina Muñoz.

Coproducción: Urquiza

Yann Marussich

indianobros — Fri, 24 Feb 2017 16:05:42 +0000

Yann Marussich nació en Suiza en 1966. Actualmente vive y trabaja en Suiza.
Este personaje único de la danza contemporánea realiza diversas performances y coreografías que se presentan en diversos países del mundo. Desde 1993 hasta 2000 dirigió el Théâtre de l’Usine de Ginebra donde programó casi exclusivamente danza contemporánea, focalizando en las nuevas formas de expresión. En 1993 fundó el ADC Studio. En 2001, compuso Bleu Provisoire, su primera pieza totalmente inmóvil. Desde entonces, se adentró en la introspección. Actualmente, se inclina hacia las performances individuales y el body-art en su aspecto poético.
Entre diciembre de 2015 y enero de 2016 se presentó Experience of Immobility (Experiencia de inmovilidad), una exhibición performática de sus trabajos en el BAC-Le Commun, que contó con el apoyo del Fondo Municipal para las Artes Contemporáneas (FMAC), la Loterie Romande, la Municipalidad de Ginebra y la Fundación Ernst Göhner. En 2008, ganó el premio Ars Electronica en la categoría “Arte híbrido” con su performance Bleu Remix. En la temporada 2010-2011 fue artista asociado del Grütli Theater. Desde 2011, recibe el apoyo del Departamento de Cultura y del FMAC de Ginebra.
Entre sus obras figuran Autoportrait dans une fourmilière (2003), Morsure (2004), Blessure (2005), Soif (2006), Bleu Remix, Nuit de Verre (2007), Brisures, Ex-Pression (2009), Bain Brisé (2010), Rideau! (2014) y La Chaise (2015), con Filipe Espindola y Sara Panamby.

Coproducción: Museo Nacional de Bellas Artes, Pro Helvetia y el Teatro del Bicentenario (San Juan).

Hernán Marina

Leandro Ibarra — Fri, 24 Feb 2017 15:52:33 +0000

Hernán Marina nació en Buenos Aires en 1967, donde actualmente vive y trabaja.
Es artista visual y sociólogo. Su trabajo abarca numerosos formatos, desde la performance y el video hasta la intervención y la escultura. Participó en numerosas exhibiciones como The Water Event, en el marco de Yoko Ono. Dream Come True, y Poner el cuerpo (Buenos Aires, 2016); ARCO Solo Project (Madrid, 2015); U Turn (Buenos Aires, 2014), Perceptus mutantis (San Pablo, 2011), Remap 02 (Atenas, 2009), Cine y casi cine (Madrid, 2007). Entre sus presentaciones individuales figuran: Hermes (Buenos Aires 2014); Gestos, diagramas y posturas (Rosario, 2014); Gestures and Postures (Zurich, 2013 y Rotterdam, 2013); Helenismo (Rotterdam 2009), Silencio (Bogotá, 2007); Men’s Health (Buenos Aires, 2003), entre otras.
Recibió el Primer Premio Adquisición del Salón Nacional, Nuevos Soportes del Palais de Glace (2015); el Segundo Premio Fundación Andreani (2011); el Premio MAMBA- Fundación Telefónica (2009); la Beca a la Creación del Fondo Nacional de las Artes (2007), entre otros. Su obra se encuentra en diversas colecciones institucionales como la del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), la del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), la Fundación Telefónica de Argentina, el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica, la Fundación Ars Teorética de San José de Costa Rica, el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) y el Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Juan R. Vidal de la ciudad de Corrientes.

Coproducción: arteBA, ArtexArte Fundación Alfonso y Luz Castillo y BP.17

William Kentridge / Philip Miller

Leandro Ibarra — Fri, 24 Feb 2017 15:48:53 +0000

William Kentridge nació en Johannesburgo, donde actualmente vive y trabaja.
Es uno de los artistas sudafricanos más relevantes, aclamado internacionalmente por sus dibujos, collages, grabados, películas animadas y producciones teatrales y de ópera. Sus trabajos exploran temas relacionados con sus propias experiencias y con cuestiones políticas como la injusticia social, la política revolucionaria y el poder de la expresión creativa.
En la década de 1970 siguió la carrera de Estudios Políticos y Africanos en la Universidad de Witwatersrand. Posteriormente co-fundó la compañía de teatro Junction Avenue Theatre. Estudió mimo y teatro en la École Jacques Lecoq de París. De regreso a Johannesburgo, trabajó en diversas áreas del mundo del cine, la televisión y el teatro, colaborando en proyectos con la Handspring Puppet Company.
En 2010, Kentridge recibió el Premio Kyoto en reconocimiento a sus contribuciones en el campo de las artes y de la filosofía. En 2011, fue elegido Miembro Honorario de la American Academy of Arts and Letters y recibió el doctorado Honoris Causa en Literatura de la Universidad de Londres. En 2012, brindó las prestigiosas charlas Norton (“Norton Lectures”) en la Universidad de Harvard. Recientemente pudieron apreciarse sus trabajos en el Tate Modern de Londres, la Scala de Milán, el Museo Albertina de Viena, el Metropolitan Opera and Museum of Modern Art de Nueva York, la Pinacoteca de San Pablo y la galería Jeu de Paume y el Museo Louvre de París.

Philip Miller es compositor y artista de sonido sudafricano que trabaja en diferentes medios: de la performance en vivo a las películas, los videos y las instalaciones sonoras. Estudió en el Reino Unido con el compositor Joseph Horowitz, y completó un posgrado en composición electroacústica.
Su colaboración de larga data con el artista William Kentridge le valió el reconocimiento internacional principalmente en sus proyectos más recientes, entre los que se encuentran Five Themes, presentado en la Tate Modern de Londres, la instalación multimedia Refusal of Time en Dokumenta 13 Kassel, en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York y actualmente en la galería Whitechapel de Londres. Sus propios trabajos de sonido fueron exhibidos en la Bienal de Venecia (2013), en Spier Contemporary (2011, Sudáfrica) y en la Kaunas Biennial (2009, Lituania). Entre sus composiciones más recientes se incluye la banda de sonido para el documental ganador del Emmy Miners Shot Down, para la película The Bang Bang Club, y para la mini-serie Roots, dirigida por Philip Noyce.
La nueva instalación sonora y de video de Miller, Bikohausen, fue estrenada en Alemania en el festival Darmstadt Summer Music Festival en agosto de 2016. En septiembre, presentó una nueva instalación sonora, The African Choir of 1891 Re-imagined en la Autograph Gallery de Londres junto a su colaborador Thuthuka Sibisi con quien desarrollará en 2017 una producción en vivo a partir de esta instalación.

Producción: BP.17

William Kentridge

indianobros — Fri, 24 Feb 2017 15:47:32 +0000

Producción: BP.17

Geumhyung Jeong

indianobros — Fri, 24 Feb 2017 15:46:26 +0000

Geumhyung Jeong nació en 1980 en Seúl, Corea del Sur, donde actualmente vive y trabaja.
Es una coreógrafa y artista de la performance. En sus trabajos, se negocia constantemente la relación entre el cuerpo humano y los objetos que lo rodean. A través de interacciones intensas y arriesgadas con su propio cuerpo, otorga una vida bizarra y desconcertante a cosas sencillas y cotidianas. Así explora el potencial del cuerpo, su sensualidad, el poder de cambiar el entorno y la habilidad de experimentar transformaciones a través del poder del deseo. Sus proyectos combinan la danza y el manejo de títeres, enfocándose en diversos aspectos técnicos del teatro.
Estudió actuación en la Hoseo University en Asan, Corea, y danza y performance en la Korean National University of Arts de Seúl.
Sus trabajos fueron presentados en el New Museum de Nueva York, el Theater Spektakel de Suiza, el Malta Festival en Poznan de Polonia, el Brigittines International Festival de Bruselas, el SPIEL ART Festival de Munich, el ImpulsTanz Festival de Viena, el iDans Festival de Estambúl, el Contemporary Art Museum de Ujazdowski de Varsovia, el Württembergischer Kunstverein de Stuttgart y el PACT Zollverein de Essen, entre otros.

Coproducción: Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat y el Centro Cultural Coreano.

Carlos Huffmann

indianobros — Fri, 24 Feb 2017 15:45:24 +0000

Carlos Huffmann nació en Buenos Aires en 1980, donde actualmente vive y trabaja.
Es artista visual y escritor. Su trabajo mezcla pintura, dibujo y escultura con operaciones de la literatura. Dibujante autodidacta, entre 1998 y 2002 participó en talleres de análisis de obra con Pablo Siquier, Mónica Giron y Diana Aisenberg. En 2001 comenzó a escribir textos críticos y teóricos. Ese año recibió una mención en la primera edición de Curriculum Cero, de la Galería Ruth Benzacar. Entre 2003 y 2005 completó un Master of Fine Arts en el California Institute of the Arts de Los Ángeles. Su trabajo fue expuesto en galerías y festivales de diversos países como Estados Unidos, México, España y Chile.
Entre sus exhibiciones individuales presentó en Buenos Aires Holograma en la Galería Mite, La juventud de los ancestros en la Galería Ruth Benzacar, Si fueses un personaje de novela tendrías la misma cicatriz en el Centro Cultural Recoleta y Extraño gobernante para un corazón en la Galería Alberto Sendrós. También Lejano extremo ultra centro en la Galería Luis Adelantado de Valencia.
Participó en muestras colectivas como Las bestias en el Museo Macro de Rosario, Historias de la A: obras de la colección Jumex en el Museo Amparo de Puebla, Narrativas inciertas en el Mamba de Buenos Aires, Blemish en la Galería Luis Adelantadom de Miami, Travelling Show en el Colección Jumex de México DF y Shipping and Receiving en Los Ángeles.
Sus textos aparecieron en el diario Página/12 y en la publicación literaria Otra Parte.

Coproducción: Galería Ruth Benzacar.

Grupo Etcétera

indianobros — Fri, 24 Feb 2017 15:44:25 +0000

Etcétera es un colectivo multidisciplinario que se formó en Buenos Aires en 1997. Integra artistas provenientes de la poesía, el teatro, las artes visuales y la música. Se creó para acercar el arte a lugares de conflicto social y trasladar estos problemas a los espacios de producción cultural. Desarrolla sus experiencias en espacios institucionales de arte contemporáneo -como museos, galerías y centros culturales- y también en las calles, en festivales, en protestas y en manifestaciones, utilizando variadas estrategias como intervenciones públicas y performances de naturaleza contextual y efímera. Se consideran parte del “arte comprometido”. En 2005 crearon, junto con otros artistas y activistas, la Fundación del Movimiento Internacional Errorista, una organización internacional que afirma el error como filosofía de vida. Desde 2007, coordinan las actividades, el archivo y otras iniciativas Loreto Garín Guzmán y Federico Zukerfeld, cofundadores del colectivo. En 2013 recibieron el Premio Internacional de Arte Participativo en Boloña y en 2015 el Premio Príncipe Claus en Ámsterdam.
Participaron en exposiciones internacionales como Ex-Argentina en el Museo Ludwig de Colonia y Creatividad colectiva en el Museo Friedericianum Kassel, ambos en Alemania. También se presentaron en festivales como la 8ª Bienal de Taipéi ,Taiwán; la 11ª Bienal de Estambul, Turquía; el 52º Salón de Octubre de Belgrado, Serbia; 4ª Bienal de Atenas; la 31ª Bienal de San Pablo y la Bienal de Yacarta, Indonesia, entre otros.

Producción: Fundación Proa.

Alicia Mihai Gazcue

indianobros — Fri, 24 Feb 2017 15:43:35 +0000

Alicia Mihai Gazcue nació en Uruguay en 1949. Actualmente reside y trabaja en Bucarest, Rumania. Realiza performances, pinturas en acrílico y carbonilla sobre tela y trabajos en papel con acuarela, grafito y carbonilla. Estudió literatura y filosofía en la Facultad de Humanidades de la Universidad de la República en Montevideo, Uruguay. Su trabajo fue expuesto en la Barbara Krakow Gallery de Boston en 2004, en la Mills Gallery del Boston Center for the Arts en 2008-2009 y en Black and White at Hosfelt Gallery de Nueva York en 2010. Su labor se divulgó a través de publicaciones como la revista Otra parte (Argentina, 2008), Point of Contact (Siracusa, 2009) y Review, Literature and Arts of the Americas (New York, 2010) y fue mencionado en el libro The Next Thing. Art in the Twenty-First Century, editado por Pablo Baler y publicado en 2013 por la Farleigh Dickinson University Press de Madison, Estados Unidos. Entre sus performances figuran Pasar entre ellos/Passera mellan dem (Lund, Suecia, 1974) y Para ser preciso/să fie precise (Bucarest, Rumania 1979). También ha contribuido con The Last Book, un proyecto de Luis Camnitzer exhibido en la Biblioteca Nacional de Argentina en 2008.

Coproducción: arteBA, ArtexArte Fundación Alfonso y Luz Castillo y BP.17

Magy Ganiko

indianobros — Fri, 24 Feb 2017 15:42:36 +0000

Magy Ganiko nació en 1959 en Buenos Aires donde actualmente vive y trabaja.
Artista multidisciplinario, es coreógrafo, director, bailarín, performer, artista visual, también estudió cine en París. Realizó creaciones en Japón, Hong Kong, Francia, Bélgica, Alemania y Noruega. Hijo de inmigrantes de Okinawa, Japón, el mestizaje entre la cultura asiática y la latinoamericana marcará toda su creación artística. Se formó en Japón en danza Butoh con el gran maestro Kazuo Ohno. Su universo habla de reinventar el presente en un nuevo mito liberador. Sus trabajos tocan temas que tienen que ver con las paradojas pulsión-razón, lo sagrado-lo profano, los mitos, el kitsch, la enfermedad, la deformación e Hiroshima-Nagasaki, donde estuvo su padre asistiendo después de las bombas.
Entre sus obras figuran Water Reflections (1997), en colaboración con el artista multimedia japonés Haruo Higuma; Lamentaciones de un pétalo de jazmín (1998); Le Pont du Vent (1998), con la coreógrafa francesa Fabienne Brioudes; MurMurs (2006); Mysteries of Love (2007); Tintorería Tokio (2008); Utaki (2009); La forêt pendu d´un arbre / El bosque colgado de un árbol (2010); Riachuelo (2016).
En 2012 se radicó nuevamente en Argentina, creando el Espacio Utaki donde desarrolla un método de trabajo: MOI.

Producción: Fundación Proa.

Julián Galay

indianobros — Fri, 24 Feb 2017 15:41:03 +0000

Julián Galay nació en Buenos Aires en 1988, donde actualmente vive y trabaja.
Es músico, compositor, multi-instrumentista, arreglador y productor.
Trabajó en la improvisación libre con músicos como Hernán Vives, Zelmar Garín, Matthias Loibner y Kyungso Park. Como compositor e improvisador creó con Ariel Hagman los grupos Ensamble Música Nueva, la Orquesta Música Nueva y la Orquesta de Cámara la Tribu, con los que grabó tres discos y un DVD.
Desde hace diez años integra el Ensamble Chancho a Cuerda. Este grupo de música popular contemporánea realizó numerosos conciertos en Argentina, Uruguay y Brasil y grabó tres discos: Contrastes, Subversiones (Premio Gardel 2013) y Deconstrucción. También compartió conciertos con músicos como Liliana Herrero, Hugo Fattoruso, Leo Masliah, Vitor Ramil, Benjamim Taubkin y Ná Ozzetti.
Sus obras fueron seleccionadas e interpretadas en festivales nacionales e internacionales como el Encuentro Sonoro Tsonami, Nuevas Músicas x la Memoria y el Festival Internacional Música Nueva. En 2012 ganó la beca Melos/Gandini y en 2016 su obra escénica Casa ganó el primer premio del Centro de Experimentación del Teatro Colón.
En diciembre de 2015 dirigió Todo, su primera obra multidisciplinaria con música y texto original que incluyó maquetas en miniatura, bonsáis y musgos, cámaras que filman y proyectan en tiempo real y un ensamble de siete músicos y un relator. Este trabajo fue encargado y compuesto especialmente para la Sala Argentina del Centro Cultural Kirchner.

Con el apoyo de cheLA.

Christian Falsnaes

indianobros — Fri, 24 Feb 2017 15:39:28 +0000

Christian Falsnaes nació en Copenhague en 1980. Actualmente vive y trabaja en Berlín.
Es un artista performático y conceptual. Estudió filosofía en la Universidad de Copenhague y cursó en la Academy of Fine Arts de Viena. Sus trabajos apuntan a la interacción entre el público y el artista. Reflexionan sobre los rituales, la dinámica y los modos de comportamiento que se ponen en juego en campos sociales altamente codificados como el mundo del arte, focalizándose en temas como la identidad, la autoridad y la sumisión. No trabaja con actores profesionales ni con un guión, sino que lo deja librado al criterio del público para que ellos sean los que decidan cómo llevar a cabo sus instrucciones.
Entre sus solos pueden mencionarse Front en el Yarat Contemporary Art Space de Baku, Azerbaijan; Thousand Faces en el Statens Museum for Kunst de Copenhague; Available en el Kunstverein Braunschweig, Alemania; Justified Beliefs en el Art Basel Statements de Suiza; Opening en el KW Institute of Contemporary Art de Berlín, entre otros. También participó en trabajos grupales como Conditions of Political Choreography en CCA de Tel Aviv; 20 Years en el Migros Museum für Gegenwartskunst de Zurich; Head to Head en la Castlefield Gallery de Manchester; Political Populism en la Kunsthalle Wien de Viena; Expanding the Field of Play en el Centro Pompidou de París; Vertigo of Reality en la Akademie der Künste de Berlín; Is it Y(ours)? en el Museum Bärengasse de Zurich y Now and Again – Performance for Video en el Fotografisk Center de Copenhague.

Producción: BP.17 con el apoyo del Danish Arts Foundation.

Laura Códega / Graciela Hasper / Paula Massarutti

Leandro Ibarra — Fri, 24 Feb 2017 15:38:46 +0000

Laura Códega nació en 1977 en la ciudad de Campana. Desde 1996 vive y trabaja en Buenos Aires. Es Licenciada en Periodismo por la Universidad del Salvador. Estudió cine luego de haber obtenido una Beca en Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC). Entre 2009 y 2010 fue becaria del Centro de Investigaciones Artísticas (CIA). En 2009 formó en la Villa 31 de la ciudad de Buenos Aires la Cooperativa Guatemalteca junto con Renata Lozupone, Paula Massarutti y Leopoldo Estol. Entre 2012 y 2015 dirigió con Aurora Rosales el proyecto Metrónomo, una vitrina recuperada de las galerías subterráneas del Subte de Buenos Aires que fue transformada en espacio de exposición.

Graciela Hasper nació en Buenos Aires, donde actualmente vive y trabaja. Estudió en diversos seminarios con base en el taller de Diana Aisenberg. En 1991 fue becada por la Fundación Antorchas para participar de la Beca Kuitca. Formó parte de las residencias de artistas Art Omi (1997) y Apex Art (2000), en Nueva York; Chinati Foundation/Marfa, Texas (2002); y Bellagio Center Residency Program/Rockefeller Foundation, Italia (2005). Entre 2003 y 2004 coordinó el ciclo Sala 2 en el Centro Cultural Borges donde expusieron Fabio Kacero, Ernesto Ballesteros, Daniel Joglar y Diana Aisenberg, entre otros. Fue editora del libro Liliana Maresca. Documentos (2006). En 2013 realizó su primera exposición retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA).

Paula Massarutti nació en 1976 en La Plata. Actualmente vive y trabaja entre Buenos Aires y La Plata. Es egresada de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Fue becaria del Centro de Investigaciones Artísticas (CIA) y del Programa de Becas del Fondo Nacional de las Artes. Realizó proyectos de investigación en numerosas residencias como Lugar a Dudas de Colombia y Kiosko de Bolivia, entre otras. Desde 2009 forma parte del colectivo Cooperativa Guatemalteca junto con Laura Códega, Renata Lozupone y Leopoldo Estol.

Coproducción: (MACBA) Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires.

Albertina Carri

indianobros — Fri, 24 Feb 2017 15:37:29 +0000

Albertina Carri nació en Buenos Aires en 1973, donde actualmente vive y trabaja.
Es directora de largos y cortos cinematográficos, también realizó video-instalaciones y programas de televisión. Es una de las figuras que cimentó el concepto de Nuevo Cine Argentino. Se caracteriza por su versatilidad y constante investigación en distintos géneros. Exploró tanto el policial negro como el documental –en su límite con la ficción-, el melodrama pornográfico o el drama familiar.
Sus largometrajes fueron exhibidos en los festivales de Cannes, Berlín, Toronto, Gijón y La Habana, entre otros. Ellos son No quiero volver a casa, Los rubios, Géminis, La rabia y Cuatreros. En este último trabajo vuelve a tensionar los lenguajes y los géneros, la memoria personal y la memoria colectiva, el archivo y la ficción, los fantasmas y la burguesía. Su segundo largometraje, Los rubios, la destacó entre los mejores directores de su generación. Esta obra desafió los discursos dominantes sobre la dictadura más sangrienta de la historia argentina y la figura de los desaparecidos, marcando un antes y un después en la manera de filmar, narrar y reflexionar sobre la memoria y sus representaciones.
En 2015 presentó en el Parque de la Memoria Operación fracaso y el sonido recobrado, muestra audiovisual que cruza la memoria personal con los desechos cinematográficos en forma de memoria orgánica.
También es la Directora Artística de Asterisco, festival internacional de cine TLGBQI.

Coproducción: Centro Cultural Paco Urondo y BP.17

Mariana Bellotto

indianobros — Fri, 24 Feb 2017 15:33:44 +0000

Mariana Bellotto nació en 1963 en Buenos Aires, donde actualmente vive y trabaja.
Es directora, coreógrafa y performer.
Creó más de treinta obras para escenario, site/specific y video exhibidas en diversos espacios culturales y festivales internacionales. Algunos de ellos son: Centro de Experimentación del Teatro Colón, Centro de las Artes de la UNSAM, Centre National de la Danse de París y Pantin, Festival de Danza de Montpellier (Francia), Panorama de Rio de Janeiro (Brasil), Fundación NC-arte (Bogotá, Colombia), Festival de Danza de Busan (Corea del Sur), Tanzhaus nrw (Düsseldorf) y Künstlerhaus Mousonturm (Frankfurt, Alemania).
Asimismo, dictó workshops y seminarios en festivales, centros culturales y universidades de Argentina, Chile, México, Venezuela, Cuba, Brasil, Corea del Sur, Egipto, entre otros.
Su trabajo ha obtenido apoyo de Mecenazgo Cultural, Fondo Iberescena, Goethe Institute, Fonca/Conaculta, Instituto Prodanza, Fondo Nacional de las Artes, Fundación Antorchas y el Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto.
A partir de 2014 dirige Central de Creación, espacio dedicado a la experimentación, creación y producción de obras contemporáneas en residencia.
Es fundadora y directora del Grupo Performático Sur, GPS con quienes desarrolla los siguientes proyectos: Antropología contemporánea del paisaje (performance y site specific) y NEXO/LAB (plataforma interdisciplinaria de formación, entrenamiento, investigación y producción creativa en artes vivas).

Coproducción: Fundación Medifé con el apoyo de la Facultad de Derecho (UBA).

Lola Arias

indianobros — Fri, 24 Feb 2017 15:25:36 +0000

Lola Arias nació en Buenos Aires en 1976, donde actualmente vive y trabaja. Es escritora, directora de teatro y realiza proyectos de artes visuales, música y cine en colaboración con otros artistas. Sus obras transitan la frontera entre la ficción y lo real.
Sus textos fueron traducidos a más de siete idiomas y se presentaron en festivales como el Festival de Aviñón, el Theater Spektakel, el Spielart Festival, el Alkantara Festival y en espacios como Under the Radar, el Walker Art Centre Minneapolis, el Museum of Contemporary Art de Chicago y el Royal Court de Londres.
Escribió y dirigió Mi vida después, Familienbande, That enemy with in, El año en que nací; Melancolía y manifestaciones y El arte de hacer dinero. En colaboración con Stefan Kaegi dirigió Chácara paraíso y Airport kids. Juntos curaron Ciudades paralelas, un festival de intervenciones en el espacio público en Berlín, Buenos Aires, Varsovia, Zúrich y Copenhague. También creó Campo Minado, Atlas des Kommunismus y Doble de riesgo. Además publicó poesía, teatro y narrativa: Mi vida después y otros textos, Los posnucleares, Trilogía, Poses para dormir, La escuálida familia, Las impúdicas en el paraíso. Junto con Ulises Conti compone música y toca en vivo. Grabaron los discos El amor es un francotirador y Los que no duermen.

Coproducción: el Cultural San Martín.

Antihomenaje Dadá (101 años del Cabaret Voltaire)

indianobros — Sun, 19 Feb 2017 12:49:51 +0000

CURADORES

Emilio García Wehbi nació en Buenos Aires en 1964, donde vive y trabaja actualmente.
Artista interdisciplinario que explora en el cruce de lenguajes escénicos, es director teatral, régisseur, performer, actor, artista visual y docente. Sus espectáculos, óperas, performances, instalaciones e intervenciones urbanas se presentaron en América, Europa, Oceanía y Asia. Por ellos fue premiado nacional e internacionalmente. En 1989 fundó El Periférico de Objetos, un grupo paradigmático del teatro experimental argentino. Algunos de sus trabajos son Atlas provisorio de Buanaventura (2016), La Chinoise (2016), El grado cero del insomnio (2015), Herodes reloaded (2015), Artaud 1: lengua ∞ madre (2015), Casa que arde (2015), Vértigo (2014), 58 indicios sobre el cuerpo (2014), Rey Lear (2013), Aurora (2013), Luzazul (2013), Cuando el bufón se canse de reír (2012), Hécuba o el gineceo canino (2011), El (a)parecido (2010), Aura (2010), Dr. Faustus (2010), Chacales y árabes (2009), El matadero. Un comentario (2009), Dolor exquisito (2008), Jakob von Gunten (2008), Woyzeck (2006), Bambiland (2005), La balsa de la medusa (2005), Lucha libre (2005), Proyecto Filoctetes (2007-2002), Anna O. (2004), Moby Dick (2003), Los murmullos (2002), Sin voces (1999) Manifiesto de niños (2005), La última noche de la humanidad (2002), Monteverdi método bélico (2000), Zooedipous (1998), Máquina Hamlet (1995). Como autor ha publicado libros como Artaud: lengua ∞ madre, Casa que Arde, Luzazul y Ensayo sobre la tristeza.

Ricardo Ibarlucía nació en Buenos Aires en 1961, donde actualmente vive y trabaja.
Es Doctor en Filosofía, Profesor Titular de Estética y Problemas de Estética Contemporánea en la Universidad Nacional de San Martín y miembro del Centro de Investigaciones Filosóficas donde dirige el Boletín de Estética. Publicación del Programa de Estudios en Filosofía del Arte.
Publicó numerosos libros y artículos en revistas internacionales sobre historia de la estética y filosofía del arte, entre los que se destacan sus estudios sobre Walter Benjamin, la estética de la Ilustración, la literatura romántica del siglo XIX y la teoría de las vanguardias, particularmente sobre Dadá y el surrealismo. Fue cofundador y miembro del Consejo de Dirección de Diario de poesía. También tradujo a Allen Ginsberg, Johann Wolfgang von Goethe, Paul Celan, Franz Kafka, Bertolt Brecht, Robert Desnos y Louis Aragon, entre otros.
Es autor de Woyzeck por Woyzeck, llevada a escena por Emilio García Wehbi en 2006 y, más recientemente, de la idea, dramaturgia y traducción de Velada fantomas. Opereta radiofónica (2014-2016).

ARTISTAS

Rosario Alfaro nació en 1983 en Buenos Aires, donde actualmente vive y trabaja. Es actriz, docente, gestora cultural y productora. Como actriz trabajó en El grado cero del insomnio (2015) y La máquina idiota (2013-2015). Desde 2013 presenta Bestia, dispositivo para ser ella, su unipersonal, dirigido por Jimena Kroucco.

Manuela Sol Aquino nació en Castelar en 1984. Actualmente vive en la ciudad de Buenos Aires.Es artista plástica y visual y escritora independiente. Realizó exposiciones colectivas en el Espacio Cultural Nuestros Hijos (ECuNHi) de la Asociación de Madres de Plaza de Mayo, en la Feria de Arte Contemporáneo de La Plata, en el Centro Cultural El Colectivo, en la UNA y en la Bienal de Arte Joven.

Lucio Bazzalo y Gastón Exequiel Sánchez nacieron en 1984 en Buenos Aires, donde actualmente residen, y se reunieron especialmente para la convocatoria “Antihomenaje Dadá”. Bazzalo es director de cine y teatro independientes y docente. Dirigió dos largometrajes, cinco cortos y tres obras de teatro. Actualmente integra el elenco de Recordar 30 años para vivir 65 y dirige Backpackers. Sánchez es bailarín, performer y director de fotografía. Actualmente actúa en Recordar 30 años para vivir 65 minutos, Prueba y error y De cómo estar con otros. También codirige con Ayelén Clavin Lobo, te amo [una ficción muerta].

Victoria Boulay nació en 1987 en Buenos Aires, donde actualmente vive y trabaja. Es licenciada en Artes Visuales con orientación en Grabado y Arte Impreso por la Universidad de las Artes (UNA). Realizó exposiciones colectivas, entre otras, con CIPCAG (Centro de Investigación y Producción Cultura, Arte y Género) en el Espacio Cultural Escuela de Defensa Nacional y en el Espacio Cultural de la Biblioteca Nacional del Congreso (2015). También presentó una muestra individual en el marco de “Incíclico” en Casa Brandon (2013).

Colectivo mod~ crea instalaciones y performances multimedias e interactivas. Usa herramientas digitales y lenguajes de programación, tomando como materia prima objetos residuales: electrodomésticos, materiales desechados, computadoras obsoletas y basura electrónica. Está compuesto por Andrés Belfanti, Ismael Verde y Salvador Marino. Belfanti es artista sonoro, investigador y docente. Ismael Verde es Profesor de Filosofía. Marino es biólogo e investigador del CONICET; también estudia Filosofía, se formó en artes pictóricas y es autodidacta en medios sonoros y audiovisuales, electrónicos y electroacústicos y en programas para la creación sonora. Verde y Marino integran el grupo experimental “alfa Ret, y todo lo que sigue”. Actualmente viven y trabajan en la ciudad de Córdoba.

El colectivo integrado por Diego de Angeli y Tomás Fage se formó en 2013 en Río de Janeiro con la creación de la obra teatral Cidadela. En 2015 fueron invitados con Fractura a participar en el Circuito Lumínico del Teatro Silencio de Negras de Buenos Aires. En 2016 presentaron Lo que me han enseñado las cosas. Diego de Angeli nació en Linhares, Brasil, en 1985. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires. Es dramaturgo, traductor y director. Tomás Fage nació en Henderson en 1987. Actualmente trabaja en Buenos Aires como arquitecto, artista visual, performer, escenógrafo, iluminador, director de arte, curador y productor.

Mateo de Urquiza nació en Jujuy en 1992. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires. Es actor, director y dramaturgo. Dirigió Tito Andrónico quiere decir Habeas Corpus (2015-16), La noche justo antes de los bosques (2014), Dante. Reductio ad absurdum I.INF (2014), Medeamaterial (2013), Príamo furioso (2013) y Ofelia o las sirenas (2012).

Iván Enquin nació en 1987 en Buenos Aires donde actualmente vive y trabaja.
En el año 2003 ganó una beca en Proyectarte, donde estudió con los artistas Luis Wells, Héctor Medici, Eduardo Medici, Dolores Casares, Cristina Tomsig, Ernesto Pesce y Juan Carlos Romero. Realizó clínicas de obra con Leonel Luna y dibujo con Ernesto Pesce en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. Además, participó de numerosas muestras colectivas donde expuso su trabajo personal. Actualmente trabaja como asistente de artista para Manuel Amestoy y Martín Di Girolamo en realización y montaje.

Federico Fahsbender nació en 1983 en la ciudad de Buenos Aires donde actualmente vive y trabaja. Es poeta y periodista. Redactor jefe de policiales de Infobae.com, publicó Grimoire (2010), La imagen que profana y destruye (2013) y Mi arte poética (2016). Como guionista realizó la miniserie cómic Hazmerreír (2011), con el dibujante Pablo Vigo. También participarán Roberto Cigarrán –pintor, escultor y montajista- y Martín Elías Orlando –baterista y performer musical-.

María Emilia Franchignoni nació en Buenos Aires en 1981, donde actualmente vive y trabaja. Es artista multidisciplinaria y docente. Como performer, realizó en 2015 des.con.figuración con Sebastián Kalt y Hábitat. En 2007 estrenó A Nocturnal Suite, creada con Sarah Lasry. Como directora y dramaturga, estrenó Freshwater (2010), de Virginia Woolf, y El nombre de la luna (2016).

Rocío Marano Miguez nació en Mar del Plata en 1981. Actualmente vive y trabaja en Berlín. Es bailarina, performer y creadora teatral. Estudió en la Escola Superior d’Art i Disseny de Islas Baleares, España. Fue parte de VEDEAteatro. Participó de SMASH (Intensive Program on Experimental Physical Performance) en Berlín. Trabaja en proyectos personales y con otros artistas y coreógrafos como Juha Marsalo y Julian Rauter. Dirigió el documental Danza sin fin (2012).

Sarah Marques Duarte nació en Belo Horizonte (Brasil) en 1989. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires. Es una artista multidisciplinar. En 2014 realizó la performance O tempo é a maré quem faz. En 2016 fue investigadora en el proyecto Lendas urbanas, subsidiado por el Museu de Imagem e do Som de Belo Horizonte. Desde 2009 integra el colectivo Bando Filhotes de Leão.

Marina Otero nació en Munro en 1984. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires. Es actriz, bailarina y directora escénica. Trabajó como actriz en El Grado cero del insomnio de Emilio García Wehbi y como coreógrafa en Antihéroe off de Patricio Abadi. Escribió, dirigió e interpretó Recordar 30 años para vivir 65 minutos (2015). Dirigió Bayonesa (2016), Andrea (2012) y Persona (2011).

Belén Parra nació en Mar del Plata en 1982. Desde 2001 reside en Buenos Aires. Desde 2013 diseña y realiza vestuario para teatro y danza, trabajando con Emilio García Wehbi, Maricel Álvarez, Marina Sarmiento, KM.29, Nahuel Cano, Rakhal Herrero, Amalia Tercelán, Marcelo Delgado y Damiana Poggi.

Marcos Perearnau nació en Buenos Aires en 1985, donde actualmente vive y trabaja. Es Licenciado en Filosofía, director teatral y dramaturgo. Entre sus obras figuran Dirección general (2013) y En adelante (2013). Su instalación Pabellón frazada obtuvo la Beca Creación del Fondo Nacional de las Artes en 2016. Publicó las novelas Después de lo que todos sabemos (2011), En adelante (2013) y Sueño con Néstor (2015).

Nazareno Pereyra nació en Ciudadela, Provincia de Buenos Aires, en 1986. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires. Desde hace diez años trabaja e investiga sobre distintas materialidades como el hierro, el aluminio, la fibra de vidrio y la resina epoxi. Sus trabajos cuentan con la tecnología del automatismo. En el presente fusionan la palabra y la parodia publicitaria con el metal.

Pablo Ramírez nació en Buenos Aires en 1980, donde actualmente vive y trabaja. Es director, performer y docente. Dirigió Orestíada, un tratado sobre el silencio (2014-2015), Abu Ghraib (Giorgio Agamben I) (2015) y Todos están presentes (2016), entre otras. Como performer realizó 58 indicios sobre el cuerpo (2013); El matadero.5 aullido (2008) y El matadero (2006).

Felipe Sáez-Riquelme nació en Santiago de Chile en 1986. Desde 2006 reside en Buenos Aires. Es antropólogo, poeta y performer. Participa en ciclos de lecturas de poesía under y ganó dos veces el slam argentino de poesía oral. Publicó en diversas antologías y revistas de poesía en Argentina y en el extranjero. En 2016 apareció Los tambores difieren por la Biblioteca Popular Ambulante.

Florencia Solari nació en Montevideo en 1990. Actualmente vive en Córdoba.
Es una artista multimedia y programadora, con foco en medios digitales y arte post-internet. Desde el año 2009 publica de forma independiente en múltiples plataformas web experimentos con imágenes, video, literatura, y collages multimedia.
A partir de 2014 comienza a realizar performances en vivo con su proyecto solista que cuenta con influencias del trap, r&b, idm y vaporwave. Durante el último año ha estado experimentando con el desarrollo de videojuegos y simulaciones virtuales.

Amalia Tercelán nació en Buenos Aires en 1986, donde actualmente vive y trabaja. Es actriz, escritora y directora de teatro. Entre sus espectáculos se destacan Niño en estado adulto, nieve que arde o lo que quedó de Hamlet (2014-2015), Fauna (2015), Palabras para conejos (2015-2016) y La ironía de lo banal (2016). En noviembre de 2016 estrenó Todo gesto de amor es inútil.

Coproducción: Bienal de Arte Joven, Centro Cultural Recoleta y BP.17

Luciana Acuña / Luis Biasotto

indianobros — Sat, 18 Feb 2017 13:51:43 +0000

Luis Biasotto nació en 1972 y Luciana Acuña en 1975, ambos en la provincia de Córdoba. Actualmente viven y trabajan en Buenos Aires. Trabajan juntos como dupla creativa desde el año 1999. Son los creadores del Grupo Krapp que dirigen hasta la actualidad.
Sus obras, tanto grupales como individuales, se presentaron en numerosos festivales y teatros de América Latina, Estados Unidos y Europa. En 2009 el Grupo Krapp recibió el premio Konex a la trayectoria y en 2013 el Centro Cultural San Martín organizó la Retrocedida Krapp, un recorrido por la historia de la compañía en el que sus obras más conocidas volvieron a escena.
Dictaron clases y seminarios en ciudades como Buenos Aires, La Plata y Granada y en instituciones como la Michigan University, la Colgate University, el American Dance Festival, el Dance Umbrella y la Oakland University. Realizaron talleres con montaje final en CIUDANZA 2012 y 2014. Son docentes de las cátedras Taller Coreográfico y Composición Coreográfica en Danza-teatro V y VI de la Universidad Nacional del Arte (UNA).
Actualmente trabajan en El futuro de los hipopótamos, una nueva producción comisionada por el Teatro de la Ribera del Complejo Teatral de Buenos Aires. Su fecha de estreno es abril de 2017.

Coproducción: Secretaría de Cultura – Vicente López.